La gata araña

Brigitte Carnochan

2007-09-28T20:20:00.000-07:00

Brigitte Carnochan

Información de la Galería fotográfica Verve.

Born in Germany, Brigitte Carnochan came to the United States in 1947, where she fell in love with ballet and the idea of being a dancer. Instead of making a career of dance, however, she became a high school and later university teacher of English with a love of gardening. When her early interest in photography at last culminated in a decision to make photography her career, her interest in dance and gardens also coalesced in her primary subject matters: the formal beauty of bodies and flowers. Brigitte's painted gelatin silver images are in private and corporate collections in the US and abroad. Named a Hasselblad Master Photographer for 2003, her work has recently been featured in Camera Arts, Black and White, Studija, and Hasselblad Forum magazines. Brigitte's still life and nude images will also appear in the September 2004 issue of Polaroid's P27 Magazine and in the next volume of 21st: Journal of Contemporary Photography. A catalog, The Colors of the Imagination, accompanied three solo exhibitions in 1997.

Joshua Petker

2007-09-26T20:05:00.000-07:00

Joshua Petker

Joshua Petker was born in Los Angeles in 1979. He received a B.A. in Social Science from Evergreen College in Olympia, WA in 2002, and studied drawing at the Lorenzo di’Medici, The Academy of Florence, It lay. Petker has spent the last several years developing a respected following in California and Europe. He currently resides in the Silver Lake area of Los Angeles.

Petker’s alluring style has been referred to as “romantic street painting” and “renaissance graffiti”. Subject matter often revolves around women, from ex-lovers to iconic television actors to dreamt up muses, rendered in subtle pose, though shockingly accented with vibrant colors set in dream-like environments. His work is informed by his years spent as a graffiti artist and tagger in California and Europe, as well as a love and understanding for classical composition and technique. Petker’s paintings are often executed on second hand canvases found in garage sales or thrift stores – adding an unidentified and often mysterious back-story to many of his works.

Neal Murren

2007-09-24T19:29:00.000-07:00

Neal Murren

Neal Murren is a freelance illustrator he spends most of his time in a deep and dark forest in some far flung corner of the united kingdom foraging with his grubby hands amongst the roots and trees that he inhabits looking for items to make dirty little images with.

Anna Fracassi

2007-09-21T18:07:00.000-07:00

Anna Fracassi

Fotógrafa italiana que mantiene sus proyectos englobados en la web de Nussyart. Sus capturas son tratadas digitalmente produciendo resultados sorprendentes.
Los únicos datos que he encontrado sobre ella están en italiano.

Anna Fracassi (Nussyart) nasce a Cantù (Como) il 19 novembre del 1979.
Dopo un controverso approccio all’arte, e aver conseguito il diploma di scuola superiore presso il Liceo Psico Socio Pedagogico, nel ‘98 si iscrive all’Accademia di Belle Arti di Milano, al dipartimento di Scenografia.
Dal 2000 è già attiva nel campo grafico, fotografico e dell’allestimento di spazi pubblicitari, si avvicina alla fotografia e all’arte digitale come indagine e punto di evoluzione.
Nel 2003 consegue il diploma di laurea con il massimo dei voti con una tesi dal titolo: MOSTRARE, ALLESTIRE, ESPORRE: la scenografia nell’allestimento degli spazi espositivi. Partecipa a mostre nazionali e internazionali, dedicandosi alla fotografia, analogica e digitale, grafica e pittura. È presente in numerosi portali d’arte contemporanea e gallerie virtuali.

Akira Noyama

2007-09-19T20:15:00.000-07:00

Akira Noyama

Ilustrador digital japonés que tiene una página especialmente particular.

Edward Hopper

2007-09-17T19:43:00.000-07:00

Edward Hopper

Información de Buscabiografías.com

Nació el 22 de julio de 1882 en Nyack, estado de Nueva York (Estados Unidos). Entre 1899 y 1900 cursó estudios de dibujo en una escuela de diseño comercial en la ciudad de Nueva York. Hacia el año 1901 abandona el dibujo por la pintura, que estudió en la Escuela de Arte hasta 1906. Desde ese año y hasta 1910 viaja en tres ocasiones a Europa. En 1915 comenzó su serie de aguafuertes llegando a realizar en los siguientes ocho años unas cincuenta. En 1923 inició sus acuarelas y al año entrante realizó su primera exposición de las mismas. En 1933 se concretó su primera retrospectiva en The Museum of Art of New York. Ese mismo año, compró un terreno en South Truro, Cape Cod, donde construyó su casa de verano. Este lugar sería escenario de muchas de sus pinturas. Las pinturas de su primera época, como Le pavillon de flore (1909, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), se mantienen dentro del realismo. Durante la década siguiente se vio obligado a trabajar como ilustrador comercial. En 1925 pintó La casa cercana a la estación (Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York), obra clave del arte estadounidense que marca la madurez de su estilo. En 1931 pintó Habitación de hotel (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España) donde se aprecia la influencia en su estilo de la pintura histórica europea. Continuó trabajando dentro de ese estilo durante toda su vida, refinándolo y perfeccionándolo. La mayoría de las obras tienen como escenario el estado de Nueva York o Nueva Inglaterra. Una de sus obras más conocidas, Los halcones de la noche (1942, Instituto de Arte de Chicago), muestra un café por la noche, con unos pocos clientes que no se hablan. Falleció el 15 de mayo de 1967 en Nueva York.

Paul Gauguin

2007-09-15T23:33:00.001-07:00

Paul Gauguin

Información de Artistas Americanos

Pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno. Nació en París el 7 de junio de 1848, en una familia liberal de clase media, su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un agente de bolsa de París con éxito, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, su mujer e hijos se fueron a vivir con la familia de ella a Dinamarca. A comienzos de 1884 él se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro. Hombre en la carretera (Ruán) pintado entonces y que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), es una muestra típica del estilo paisajista de Gauguin, aún dominado por la influencia del impresionismo. Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretaña (a excepción del viaje a Panamá y Martinica entre 1887 y 1888), donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses, estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad.
Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el Cristo amarillo (1889, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York, Estados Unidos). En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad gobernada por el oro, y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios, mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples. Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas en la playa (1891, Museo de Orsay, París, Francia), hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como El espíritu de los muertos observa (1892, Galería de Arte Albright-Knox). Su obra maestra es la inmensa alegoría, que es así su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas). Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas pictóricas influyó en el pintor noruego Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista.

River Clark

2007-09-14T19:26:00.000-07:00

River Clark

Fotógrafo americano originario de Seattle que tiene su estudio en la ciudad de New York.

Diana Luganski

2007-09-12T19:12:00.000-07:00

Diana Luganski

Fotógrafa finlandesa que tiene su estudio en la ciudad de Helsinky.

Egor Abramov

2007-09-10T18:58:00.000-07:00

Egor Abramov

Personal portfolio of professional Russian photographer Roge, whose work transfers you into the realm of the sublime. He lives in Saint-Petersburg.

"Creativity as a reflection of me and communications with this world, attitudes with people surrounding me is that is interesting to me. A photo is not more than the tool for this creativity.
I don’t like to call my self a photographer, a “shaper” maybe, this term does not say about the person more than about his capability to issue an idea. The photographer is more likely a predicate of the shaper."

Josephine Wall

2007-09-07T18:49:00.000-07:00

Josephine Wall

Josephine was born in Farnham, Surrey, England in 1947. Educated at Farnham and Parkstone Grammar Schools, her family moved to Poole, Dorset when she was 14.
Her paintings are mainly fantasies, influenced and inspired by the illustrative talents of Arthur Rackam, the surrealism of artists such as Magritte and Dali, and the romanticism of the pre-Raphaelites, which combined with her own imaginative ideas has led to a wide and varied range of work.
Josephine is also an accomplished sculptor and has created a number of unique figurines. Using natural stone found locally, various modelling materials and semi-precious stones, she creates models that once painted, challenge the viewer to find where the stone ends and the figure begins.
An increasing demand for character windows, led her to experiment in this field using self adhesive lead and vitreous paint, to reproduce traditional lead-lights and many of her own designs.
Due to her individualistic, textured use of acrylic medium, she has been invited to demonstrate and lecture to local art circles.
Whilst her work has always covered a wide range of subjects, since moving into the world print market, she has produced works with a distinct ethnic flavour and images of many favourite stories and fables. Her fantasy work remains most popular, many containing hidden images or faces, which has become a trademark.

Paul Gauguin

2007-09-05T23:42:00.000-07:00

Paul Gauguin

Pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno. Nació en París el 7 de junio de 1848, en una familia liberal de clase media, su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un agente de bolsa de París con éxito, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, su mujer e hijos se fueron a vivir con la familia de ella a Dinamarca. A comienzos de 1884 él se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro. Hombre en la carretera (Ruán) pintado entonces y que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), es una muestra típica del estilo paisajista de Gauguin, aún dominado por la influencia del impresionismo. Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretaña (a excepción del viaje a Panamá y Martinica entre 1887 y 1888), donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses, estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad.
Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el Cristo amarillo (1889, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York, Estados Unidos). En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad gobernada por el oro, y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios, mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples. Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas en la playa (1891, Museo de Orsay, París, Francia), hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como El espíritu de los muertos observa (1892, Galería de Arte Albright-Knox). Su obra maestra es la inmensa alegoría, que es así su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas). Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas pictóricas influyó en el pintor noruego Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista.

Sylvie Blum

2007-09-03T10:50:00.000-07:00

Sylvie Blum

Fashion photographer Sylvie Blum from Portland, Oregon.

Javiera Eyzaguirre

2007-08-31T09:39:00.000-07:00

Javiera Eyzaguirre

Fotógrafa chilena nieta de la actriz Delmira Guzmán.

Tim Hall

2007-08-29T09:19:00.000-07:00

Tim Hall

Tim Hall, a British Fine Art Photographer based in London, specializes in portraits, landscapes and seascapes. His work is of the highest standard and is of museum quality. Tim‘s sensitive and often-spiritual depictions compels supporters and art enthusiasts to note, “As arresting as Tim Hall‘s photographs are to viewers today, it is safe to say that they will affect a future generation with even greater power”.
Tim Hall, a graduate of the University of Manchester, began his career as staff photographer for the London based, Redferns Music Picture Library. His images of jazz and rock musicians including the greats Miles Davis and Prince have appeared in magazines, books and newspapers throughout the world.
During the 1990s, Tim lived and worked in Southeast Asia where he photographed numerous books on countries in the region with a strong focus on Indochina. These publications include such bestsellers as Cambodia: A Portrait and Back to Mandalay. During his sojourn in the region, Tim photographed the indigenous people of the area and developed a style of photography in the tradition of Irving Penn. These romantic and often insightful portraits that capture the nostalgic mood of a bygone era can be seen in his Golden Faces and Hanoi People series.
In 1997, Tim shot a cross-section of Hong Kong society to mark the end of British rule. The Hong Kong People Collection was exhibited around the world to great acclaim.
In 2003, Tim journeyed to India, where he worked on an exhibition series entitled Pilgrimage. These pictures follow the life of the inhabitants of Varanasi, capturing remarkable scenes of worshippers in the river Ganges during the Lunar Festival and striking portraits of the dwellers of this ancient city.
Tim recently made a move into landscape photography whilst on a trip to Morocco. His Dune Collection captures the sensuality of the shifting sands at dawn in the Sahara desert
The Coast Collection, Tim Hall‘s latest project, depicts images of seascapes and beach scenes throughout England and is very close to the artist‘s heart. The series embodies his life‘s work thus far. The feel and mood portrayed within this work has reverberated with his supporters striking an emotional chord, describing them as both sensitive and powerful.
Tim Hall‘s work is sold in top galleries worldwide and is available as limited edition prints, each signed, numbered and dated. Institutions and art collectors worldwide have bought his work.

Eric Stanton

2007-08-27T08:59:00.000-07:00

Eric Stanton

Stanton was born on September 29, 1926 in Booklyn, New York, and was already drawing at the age of twelve. Even his earliest comics were full of sexy girls and would often bring a blush to his grandfather's face. Stanton gained popularity while he was serving in the U.S. Navy by drawing his scantily-clad heroines on his fellow sailors' handkerchiefs. From 1958 to 1966, Stanton shared a studio with his friend and colleague Steve Ditko, the well-known artist who created Spiderman. Eric Stanton drew his pictures in India Ink, and they were then hand-colored by Ditko. In addition to his cover designs for erotic magazines and novels, Stanton became well-known for his mail-order picture stories, which he customized to the indivual preferences of his clients. Eric Stanton passed away on March 17, 1999. He will always be remembered as one the founding fathers of fetish art as well as a pioneer in the erotic art world today.

Robert Motherwell

2007-08-24T08:20:00.000-07:00

Robert Motherwell

Información de la Wikipedia

Robert Motherwell (24 de enero de 1915 – 16 de julio de 1991) fue un pintor norteamericano y una figura destacada del expresionismo abstracto. Fue uno de los miembros más jóvenes de la llamada New York School (Escuela de Nueva York), que también incluía a Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning.
Motherwell nació en Aberdeen, Washington. Se licenció en Filosofía en la Universidad de Stanford en 1937, y un año antes de finalizar sus estudios de doctorado en Harvard cambió de orientación y empezó a estudiar Arte e Historia en la Universidad de Columbia bajo las órdenes de Meyer Schapiro. Su extensa formación retórica sería muy útil para él y sus compañeros expresionistas abstractos, ya que gracias a ella Motherwell recorrió los Estados Unidos dando conferencias acerca de lo que él y sus compañeros estaban creando en Nueva York. Sin sus grandes capacidades comunicativas (además de su prolífica creación pictórica), otros expresionistas abstractos quizás no hubiesen visto la luz (como por ejemplo Rothko, que era extremadamente tímido y rara vez salía de su estudio). Los escritos completos de Motherwell ofrecen una excepcional visión del mundo del expresionismo abstracto. Era un escritor lúcido y seductor, y sus ensayos se consideran una introducción perfecta para los que quieren leer sobre arte no figurativo pero no se aventuran en extensos y complicados tratados sobre arte.
Motherwell pasó bastante tiempo en Provincetown, Massachusetts. Cy Twombly fue alumno suyo.
El mayor objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y físico del artista con el lienzo. Prefería utilizar la dureza de la pintura negra como elemento básico; una de sus más conocidas técnicas consistía en diluir la pintura con aguarrás para crear un efecto de sombra. Su extensa serie de pinturas conocida como "Elegías a la República Española" es generalmente considerada su proyecto más significativo.
Motherwell fue miembro de la dirección editorial de la publicación vinculada al Surrealismo "VVV".
El Museo de Arte Moderno de Fort Worth alberga la mayor colección de obras de Motherwell. En el Empire State Plaza pueden encontrarse además algunas de sus obras. El Walker Art Center tiene una colección casi exhaustiva de sus grabados.

Zosia Zija

2007-08-22T18:50:00.000-07:00

Zosia Zija

Zosia Zija, born in 1975, a photographer searching for simplicity in what she does, she loves simple and ordinary people, who she tries to see through the lens as extraordinary. her life motto is: follow your heart, whatever that means.
Her works have been exhibited in Poland, Italy, Belgium, Portugal. On an ordinary day she is a commercial photographer. Zosia lives and works in Warsaw, Poland.

Annliz Bonin

2007-08-20T18:31:00.000-07:00

Annliz Bonin

Annliz Bonin (AnXiogène) est une artiste autodidacte. Son travail graphique et plastique est centré sur la représentation de la féminité, l’articulation/ désarticulation du corps, la fragilité.
Annliz Bonin expose ses photos numériques. Une série d'images atypiques par leur technique de création ressort dans cet univers maîtrisé par la technologie numérique. Des images qui tentent par petites touches de brosser le portrait d'une féminité multiple, loin des stéréotypes radieux et parfaits qu'on nous présente sur papier glacé.Car c'est d'intimité qu'il s'agit, de chair et de fragilité.

Javier Molinero

2007-08-17T18:22:00.000-07:00

Javier Molinero

Javier Molinero nace en Madrid en 1970, donde actualmente vive y trabaja. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1994. Trabaja desde entonces de manera independiente en distintas disciplinas de las artes visuales: pintura, diseño, video, publicidad. Funda en Enero de 2000, el grupo artístico "The Pop Factory", actualmente llamado "La Factoría Pop".

Jackson Pollock

2007-08-15T12:19:00.000-07:00

Jackson Pollock

Información de la Wikipedia

Jackson Pollock Nombre completo: Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importante de los Estados Unidos en el siglo XX.
Nació en Cody, Wyoming (Estados Unidos), y posteriormente, en 1929, se mudó a Nueva York, donde estudió con el pintor Thomas Hart Benton. Pollock se distanció del arte figurativo y desarrolló técnicas como el splashing o el dripping, consistentes en lanzar pintura al lienzo o dejarla gotear encima de este (action painting), sin utilizar dibujos ni bocetos. A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado "Jack the Dripper" (juego de palabras con "Jack the Ripper" o "Jack el Destripador", y "Dripper" o "goteador" y que podríamos traducir como "Jack el Goteador"). Una relación distante, Gabriel Pollock, vive en Los Estados Unidos.
Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal), y durante las décadas de los años 1950 y 1960 Pollock recibió apoyo de la CIA por medio del Congress for Cultural Freedom (CCF, Congreso para la Libertad Cultural). De su corta vida, se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en que logró controlar su alcoholismo, es decir, el período 1949-1950. Peggy Guggenheim fue su mecenas, quien le entregaba una mensualidad.
La carrera de Pollock se vio súbitamente interrumpida cuando falleció en un accidente de coche en 1956.
Fue el objeto de los documentales Jackson Pollock (1987) y Jackson Pollock - Love & Death on Long Island (Jackson Pollock - Amor y Muerte en Long Island) (1999) así como el biopic Pollock protagonizado y dirigido por Ed Harris. El anterior documental de 10 minutos Jackson Pollock 1951 fue dirigido por Hans Namuth y tenía música de Morton Feldman.
El pintor se casó con Lee Krasner en 1945.
Su pintura más famosa Jackson Pollock # 5 , 1948 , tiene el record de subasta al venderse en la no poca cantidad de 140 MDD (USD140,000,000),que le quito el puesto a la pintura de Gustav Klimt "Retrato De Adele Bloch-Bauer I" vendida por 135 MDD.

Tony Stamolis

2007-08-13T11:59:00.000-07:00

Tony Stamolis

Tony Stamolis es un fotógrafo neoyorquino involucrado en varios proyectos fotográficos, desde fotografiar los carteles del metro donde aparece Britney Spears, hasta unas sesiones fotográficas relacionadas con la muerte en los tanatorios. Su mujer Sarah Gray Miller regenta un conocido restaurante entre la 123rd Street y la Avenida Amsterdam en el Harlem.

George Grosz

2007-08-10T11:48:00.000-07:00

George Grosz (Berlín, 1893-1959)

Información de Museo Thyssen-Bornemisza

Georg Ehrenfried Grosz fue un pintor comprometido ideológicamente, un agitador que usaba el arte como arma. Comenzó su carrera artística como caricaturista dentro de un estilo de fuerte crítica social. En 1917 fundó, junto a los hermanos John Heartfield y Wieland Herzfelde, la editorial Malik, dedicada a la publicación de libros y revistas de carácter subversivo, donde Grosz publicó numerosos dibujos y algunos escritos, que le llevaron en ocasiones frente a la justicia. De 1917 a 1920 fue uno de los componentes del grupo dadaísta de Berlín y poco después el principal líder de la Neue Sachlichkeit (nueva objetividad).Durante la década de los años veinte su estilo artístico expresa su disgusto con la Alemania de la posguerra. La moderna metrópoli se convirtió en el tema recurrente de su obra y, como un Bosco contemporáneo de incisivo tono crítico y agudo sentido de la observación, plasmó su entorno en sus obras con una intención moralizante. Fue quizá el artista que mejor supo hacer una crónica fidedigna del Berlín de los años veinte. Hoy en día, una de las principales imágenes que tenemos de la Alemania de la República de Weimar es la que nos ha dejado Grosz con sus mordaces caricaturas y su captación magistral de la vida de las calles berlinesas.En 1933 huyó de la Alemania nazi y vivió el resto de su vida en América, aunque volvió a Berlín poco antes de morir. En 1938, al verse privado de su pasaporte alemán, adquirió la ciudadanía americana.

Robert Holmgren

2007-08-08T08:45:00.000-07:00

Robert Holmgren

A Menlo Park, California, photographer, Robert Holmgren specializes in editorial portraiture. His work has appeared in Business Week, Forbes, Inc., Time, Smithsonian, and Newsweek, as well as various computer-related magazines.

Maria Lankina

2007-08-06T19:11:00.000-07:00

Maria Lankina

Born and raised in Saint-Petersburg, Russia. At 17, Maria traveled around the globe, from Egypt to the Philippines, from England to Hawaii. She was the lead in her own cutting-edge rock bank, acted in several films, was a modern dancer, studied styling in St. Martins, and modeled while in London. At Miami Beach’s Miami Ad School, she was a photography major. Having finally found her professional nirvana in photography, she lives in Miami Beach – and between frequent traveling for her work – is the mother of her 11-year-old daughter Angelika, the other passion in her life.

Andy Bell

2007-08-03T08:18:00.000-07:00

Andy Bell

Andy lives in Basingstoke UK with his partner Liz and two boys Stefan and Adam. He works for himself as a web/multimedia designer. He has been running his Photoblog Deceptive Media since January 2004.

Alberto Seveso

2007-08-01T07:57:00.000-07:00

Alberto Seveso

Diseñador e ilustrador italiano que tiene su estudio en Roma. Realiza sus creaciones mediante una técnica de mezcla de vectores con las fotografías en blanco y negro.

Francisco de Goya

2007-07-27T08:14:00.000-07:00

Información de la Wikipedia

Francisco de Goya

Francisco José de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 - Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828), pintor y grabador español.
Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en Edouard Manet, Pablo Ruiz Picasso y gran parte de la pintura contemporánea.
Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó hacia un estilo personal y pintó cuadros que, como el famoso El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío (1814, Museo del Prado, Madrid), se cuentan entre las grandes obras maestras de la historia del arte.
Goya nació en la pequeña localidad aragonesa de Fuendetodos (cerca de Zaragoza) el 30 de marzo de 1746. Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre descendía de una familia de la pequeña nobleza de Aragón.
Poco se sabe de su niñez. Asistió a las Escuelas Pías de Zaragoza y comenzó su formación artística a los 14 años, edad a la que entró como aprendiz en el taller de José Luzán, pintor local competente aunque poco conocido, donde Goya pasó casi cuatro años.
En 1763 el joven artista viajó a Madrid con la esperanza de ganar una beca de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, ayuda que no conseguiría ni en esta ocasión ni en 1766, año en que lo intentó de nuevo.
En la capital de España trabó amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemán Anton Raphael Mengs.
Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse en 1774) tuvo una enorme influencia en la formación temprana de Goya y a él se debe que participara en un encargo importante, los frescos de la bóveda de la basílica de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza (1772, 1780–1782), y que se instalara más tarde en la corte.
A finales de 1769 Goya parte hacia Italia, donde permanece aproximadamente hasta junio de 1771. Su actividad durante esa época es relativamente desconocida; se sabe que pasó algunos meses en Roma y visitó Venecia, Bolonia, Génova, Módena y Ferrara, entre otras ciudades.
En mayo de 1771, se presentó a un concurso convocado por la Real Academia de Parma, en el que obtuvo una mención del jurado.
A su vuelta a España, se instaló en Zaragoza, donde realizó los frescos de la bóveda del coreto de la basílica de la Virgen del Pilar y las pinturas murales del oratorio del palacio de Sobradiel (1772).
De 1774 son las pinturas al óleo sobre muro de la iglesia de la cartuja de Aula Dei, cerca de Zaragoza, que ya anticipan el estilo que desarrollará en los magníficos frescos de la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid, en 1798. En esta última fecha comenzó a hacer grabados a partir de la obra de Velázquez que, junto con la de Rembrandt, sería su principal fuente de inspiración durante toda su vida.
Hacia enero de 1775 Goya se instaló definitivamente en Madrid en casa de su cuñado, Francisco Bayeu, y comenzó a trabajar para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Los cartones que realizó desde esa fecha hasta 1792 fueron muy apreciados por la visión fresca y amable que ofrecían de la vida cotidiana española. Con ellos revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había limitado a reproducir fielmente escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers. La mayor parte de ellos se conservan en el Museo del Prado, como El quitasol (1777), La gallina ciega (1787) y La boda (1791–1792).
Entre 1780 y 1782, pintó en el Pilar de Zaragoza la bóveda Regina Martyrum, una extraordinaria obra en la que da rienda suelta a su genio pese a la censura de Bayeu y el disgusto de los miembros del cabildo.
En 1789 fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en 1799 ascendió a primer pintor de cámara junto a Mariano Maella. Goya disfrutó de una posición privilegiada en la corte, hecho que determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muy importante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos oficiales y los cuadros de tema histórico. Estos últimos se basan en su experiencia personal durante la Guerra de la Independencia Española (1808–1814) y trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia de la crueldad humana.
Algunos de los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajes de la corte y de la nobleza datan de la década de 1780. Entre ellos se encuentran obras como Carlos III, cazador (1786–1788), Los duques de Osuna y sus hijos (1788), ambos en el Museo del Prado de Madrid, o el cuadro La Marquesa de Pontejos (c. 1786, Galería Nacional, Washington); en todos ellos emplea una paleta de colores muy luminosa y un estilo heredero de la pintura Velázquez.
Dos de sus cuadros más famosos, obras maestras del Prado, son La maja desnuda (1800–1803) y La maja vestida (1800–1803). Del año 1800 son también La condesa de Chinchón (adquirido por el Museo del Prado en el año 2000), uno de los retratos más hermosos y delicados de la historia del arte, y La familia de Carlos IV (Museo del Prado), donde se muestra a la familia real con una sencillez y honestidad muy apartadas de la habitual idealización.
En el invierno de 1792, durante una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística.
Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época.
Otras series posteriores, como Los desastres de la guerra (Fatales consecuencias de la sangrienta guerra en España con Bonaparte y otros caprichos enfáticos), de 1810, y Los disparates (1820–1823), presentan comentarios aún más cáusticos sobre los males y locuras de la humanidad.
Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre soldados franceses y ciudadanos españoles durante los años de la ocupación napoleónica.
En 1814 realizó El 2 de mayo de 1808 en Madrid: la lucha con los mamelucos y El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío (ambos en el Museo del Prado). Estas pinturas reflejan el horror y el dramatismo de las brutales masacres que tuvieron lugar en Madrid durante la guerra a manos de grupos de soldados franceses y egipcios (mamelucos). Ambas están pintadas, como muchas de las últimas obras de Goya, con gruesas pinceladas de tonalidades oscuras matizadas por refinados toques de amarillo, ocre y carmín.
Al finalizar la guerra de la Independencia, Vicente López fue nombrado primer pintor de cámara de la corte y Goya quedó relegado por el estilo más decorativo y amable del pintor valenciano.
El descenso en el número de encargos marcó su evolución a partir de entonces. De esa época son La última comunión de san José de Calasanz (1819, iglesia de San Antón, Madrid), uno de sus principales cuadros religiosos, y la célebre serie de Pinturas negras (c. 1820, Museo del Prado), llamadas así más por su contenido que por su colorido.
Originalmente estaban pintadas al fresco en los muros de la casa que Goya poseía en las afueras de Madrid y fueron pasadas a lienzo en 1873.
Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un hijo (c. 1821–1823) y Aquelarre, el gran cabrón (1821–1823). Con predominio de los tonos negros, castaños y grises, constituyen un amarga denuncia de los aspectos más oscuros del ser humano y demuestran que su temperamento era cada vez más sombrío. Este comportamiento se agravó a raíz de la situación política de España durante la primera etapa del reinado absolutista de Fernando VII y el Trienio Liberal (1820–1823), por lo que en 1824, tras el fin de las esperanzas progresistas, decidió instalarse en Francia.
En Burdeos trabajó la técnica, entonces casi desconocida, de la litografía, con la que realizó una serie de escenas taurinas (La tauromaquia) consideradas entre las mejores de su género.
Aunque realizó una breve visita a Madrid en 1826, murió dos años más tarde en Burdeos, en la noche del 15 al 16 de abril de 1828. Un año antes había pintado La lechera de Burdeos (1827, Museo del Prado), una obra clave en la historia de la pintura que anticipa el impresionismo. Goya no dejó herederos artísticos inmediatos, pero su influjo fue crucial en los grabados y en la pintura de mediados del siglo XIX y en el arte del siglo XX.

Quentin Shih

2007-07-25T14:30:00.000-07:00

Quentin Shih

A Chinese photographer based in Beijing, China, specializes in fine art, editorial, fashion and commercial photography.
Clients: Siemens, Lenovo, Sony Ericsson, Li Ning, Redbull, Abb, McDonald's, Samsung, Snickers, Bank of China, LG, Nestle, DHL, Mary Kay, Jeep, M-Zone, China Mobiele, Thomson Multimedia, IBM, Yahoo.
Magazines: Time Magazine, Cosmopolitan, Esquire, Business Week, Forbes Magazine, Madame Figaro, Elle, Newsweek, Fortune, Harper's Bazaar, Vanity Show, Destin Asian, Man's Style, Stern.

Weng Ziyang

2007-07-23T14:08:00.000-07:00

Weng Ziyang

Weng Ziyang, one of the most extraordinary artists of China. Based on the conversance and endless investigation of Chinese traditional culture, he conveys the courage and power of life by traditional Chinese painting.

Through this immemorial and romantic brushwork, he depicts the connotation of purity, dignity and anima. Most of his produces are focus on human and history, for instance: the culture of Chu dynasty of China, the Spring and Autumn empire and fantasy.

After he fund out the connection between digital art and Chinese traditional painting, he turned to seek how to use the digital art¡¯s techniques in CG painting and how to utilize CG new techniques to improve the primary designs. With the perfect inosculation of this kind of new techniques and conventional painting, he initiates the new era of Chinese art style.

His productions relate to culture and commercial painting, including illustrations, CG paintings, game posters and graphical books about movies and teleplays. His productions are published in expert magazines in Korea, Japan, Malaysia and American, earning extensive reputation in Asia and America.

His achievements in the field of cartoon, game design and illustrations are greatly recognized by the experts and society.

Thomas Schweizer

2007-07-20T13:54:00.000-07:00

Thomas Schweizer

Born in 1965 within a family of artists, father sculpturer and painter, mother journalist and writer. Thomas started his career as a press photographer, soon turned to classic advertisement photography. His studio was established in beauty, in the studio or on locations across the world. His artistic nude work is his "playground" and compensation to the daily work.

Ulli Predeek

2007-07-18T13:50:00.000-07:00

Ulli Predeek

Por el nombre diría que se trata de un fotógrafo alemán, pero no he encontrado ningún dato biográfico. Aunque su técnica le falta algo de depuración, sus fotógrafías muestran un alto voltaje de erotismo y mucha originalidad a la hora de cuadrar la escena.

Anna Miller

2007-07-16T17:44:00.000-07:00

Anna Miller

Fotógrafa amateur creo que vive en Moscow, aunque no hay demasiado datos sobre ella, pues ella misma declara que prefiere no escribir su biografía, lo cual aburriría a la gente interesada en esa clase de información. Prefiere que para juzgar su trabajo sencillamente las personas vean sus fotografías. Uno de los pocos datos que hay sobre ella es que también hay fotos en la red suyas con el nombre de Anna Fishenko, que supongo que debe ser su nombre de soltera.

Gustave Caillebotte

2007-07-13T17:37:00.000-07:00

Gustave Caillebotte

Información de la Wikipedia

Gustave Caillebotte est un peintre français, collectionneur, mécène et organisateur d'expositions, né à Paris le 19 août 1848 et mort à Gennevilliers le 21 février 1894, à l'âge de 45 ans. Il est enterré au cimetière du Père Lachaise à Paris.
Après avoir commencé des études de droit, il entre dans l'atelier du peintre académique Léon Bonnat. En 1873, il réussit l'examen d'entrée de l'École des Beaux-Arts. Issu d'une famille d'industriels, il hérite à la mort de son père, en 1874 d'une propriété à Yerres (Essonne) et d'une fortune suffisamment importante pour lui permettre de se consacrer à sa passion pour la peinture. Il s'en sert aussi pour devenir le mécène de ses amis peintres, parmi lesquels Renoir, Degas ou Monet. Il finance aussi l'organisation d'expositions impressionnistes.
En 1875, son tableau Les Raboteurs de parquet (ci-dessous) est refusé au Salon. Les années suivantes, il exposera au cours de différentes expositions impressionnistes, puis avec la société des XX.
À partir de 1876 il commence à collectionner les peintures de ses amis peintres, et se montre très généreux sur les prix auxquels il acquiert ses œuvres. Il leur fut un réel soutien, et entre ainsi par exemple en possession de Coin d'appartement de Claude Monet, ou du Bal du Moulin de la Galette de Auguste Renoir. Il achète aussi des tableaux à Paul Cézanne, à Edgar Degas, à Édouard Manet et à Camille Pissarro. Mais il restera toujours un peu à part, privilégiant la fibre naturaliste à l'émotion.
Son activité de collectionneur s'est ausssi étendue à la philatélie, dont il a été un adepte assidu. C'est à ce titre qu'il a été l'un des fondateurs, avec le Docteur Jacques Legrand et Arthur de Rothschild de la Société Française de Timbrologie, le 14 juin 1875.
Sa passion pour le yachting n'a cessé de croître. Sous influence de Monet il emménage au Petit Gennevilliers. Régatier, il se passionne pour la vitesse et cherche à perfectionner ses bateaux. Architecte naval il construisit des prototypes de voiliers, aux multiples innovations (voile en soie, lest extérieur, coques hydrodynamiques,...), qui lui permirent de remporter des titres internationaux. Son "Rotsbeef" est un des plus connus de ses bateaux.
Selon son testament, il lègue à sa mort soixante-sept tableaux impressionnistes de sa collection personnelle à l'État, qui n'en accepta finalement que trente-huit, après deux ans de négociations menées par Renoir, exécuteur testamentaire de Caillebotte, et de violentes polémiques. L'Académie des Beaux Arts protesta officiellement contre l'entrée de ces tableaux au musée du Luxembourg, en qualifiant l'événement d' « offense à la dignité de notre école ».
La maison et le parc qu'il possédait à Yerres (Essonne), en bordure de la rivière homonyme, sont aujourd'hui propriété communale et le parc est ouvert au public. C'est là qu'il a peint certaines scènes de périssoires.
Longtemps plus reconnu comme mécène que comme peintre d'importance, Gustave Caillebotte a commencé à être redécouvert dans les années 1970. Certaines de ses œuvres se trouvent maintenant au musée d'Orsay à Paris.

Galey Franey

2007-07-11T13:21:00.000-07:00

Gale Franey

Artista Canadiense que vive en Vancouver.

"Completely absorbed in anything to do with graphics, animation, photography, Photoshop, Flash, After Effects.

In my other (pay the bills) life, I am the manager of a downtown Hotel where I am lucky to meet travellers from every country around the globe, who deeply enrich my life. I have a lovely daughter, who features in several of my graphics images.

I strive to live a positive life. On the lighter side, I am CRAZY about table tennis (ping pong) & play a very mean game if I do say so myself ... I can back spin and do a cross smash with the best of them. I play almost every day. At work we have a couple of tables."

Sabine Villiard

2007-07-09T12:54:00.000-07:00

Sabine Villiard

Sabine Villiard was born in 1972 in London, from french parents, and studied for the early part of her life in the UK befote moving to Paris to follow a business and then a literatura degree.
Photography was always a passion for her, as she grew up seeing her father spent most of his spare time with a camera or in a dark room.
She started seriously working on her photography in 1995
She has worked for many different magazines such as Wad, Elle Italy, Glamour germany, Jalouse, Sti, Io donna, Sunday Telegraph, Vanidad, Oyster, Marie Claire France, Luna, Cosmopolitan France, Annabelle, Vogue Pellle…
Sabine co-founded dealer de luxe magazine with Katia Coelho in 2001 and followed the art direction for two years.
Advertising includes: Garnier, Le Printemps, Nivea, Orange, Samaritaine, Coccinelle, Eau Jeune, Swatch, Galeries Lafayette, Ratp, Dim, Marina Yachting, Etam, Princesse Tam Tam, La Poste, TGV, Mennen…

Jean Dubuffet

2007-07-06T12:42:00.000-07:00

Información de la Wikipedia.

Jean Philippe Arthur Dubuffet (31 de julio de 1901 en Le Havre - 12 de mayo de 1985 en París) fue un pintor y escultor francés de los más famosos de la segunda mitad del siglo XX.
Dubuffet nació en Le Havre. Se mudó a París en 1918 para estudiar pintura en la Académie Julian, pero luego de seis meses dejó la academia para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura nuevamente en la década de 1930, pero se detuvo nuevamente, sólo volviendo por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.
Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally I, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte crudo) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloïse Corbaz and Adolf Wolfli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, y algunas veces, su obra parece primitiva o infantil.
Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturada. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1960 se volcó más a la realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, a los cuales pintaba con vinílico.

Yanyan Ye

2007-07-04T12:28:00.000-07:00

Yanyan Ye

Ilustrador chino que vive y trabaja en Beijing, y que mezcla la tradición china con las técnicas más modernas de dibujo.

Naomi Harris

2007-07-02T10:02:00.000-07:00

Naomi Harris

"Born May 26, 1973 weighing 8 pounds 4 ounces at the Mount Sinai Hospital inToronto, Canada to proud parents Jerry and Diane Harris, the youngest of three children.
It wasn’t until age 3 wher her older brother and sister went away to sleep over camp that she began to speak. She hasn’t stopped talking since.
At age 8 Naomi joined Greenpeace with dreams of being the Rainbow Warrior’s youngest crewmember. Her request to board ship went unanswered but she collected lunch money from schoolmates to help stop the seal hunts in Canada.
At age 14 she was bitten by a monkey at the Bowmanville Zoo. Fortunately she didn’t require rabies shots.
On her 24th birthday she received her acceptance letter from the international Center of Photography into the Documentary Photography program. She moved to New York in August of 1997.
Following the lead of so many of her ancestors, she decided to snowbird to Miami Beach in December of 1999. Here she documented the last hotel of South Beach that catered to senior citizens, and decided to sojourn in Florida for the next two and a half years.
Upon returning to New York in April 2002, she began working on her current project about Swinging in the Suburbs. She has been documenting this phenomenon all over the United States and Taschen Books is publishing her first book dedicated to this topic, hopefully in bookstores by Spring 2008.

When she can find the time to pretend to relax, Naomi likes to sing karaoke and knit."

Vinylya

2007-06-29T09:55:00.000-07:00

Vinylya

Información de Model Mayhem

"I live for pinups. I'm Vinylya, (the correct pronunciation isVEE-NEE-LEAH), Italian born professional pinup artist that chose this fancy sobriquetas a little tribute to delicious bizarre fashions, with the intention ofpossibly giving a quick, representative idea of what sort of quality, flavour and sexiness will imbue my pinup work.

I've been drawing andinterpreting the female form ever since I can remember, my childhoodalbums were graced by my colourful mermaids and faerie tales inspiredgirls... It was during the late 1990's though, that I became veryinvolved in the PIN UP phenomenon.

I have had many inspirations but the biggest have come from my eager interest in fetish paraphernalia, Bettie Page, vintage magazines, and the masters of bizarre art.

I think it's all shown in my artwork? *Wink!* On those days, I begun getting my hands into creating pinups of many favorite women: spicy femmes such as Dita Von Teese, Mistress Persephone, Jami Deadly, etc. and I opened my ownsite www.vinylya.com in 2002! Ever since my art has been described as "sexy but obscure at the same time, it is something like halloween meetsbombshell" and if you're a fan of spooky, trashy, noir, bondage-y, exhibitionist femme fatales, you will love my work! Strong and genuineinspiration makes the basis to the totality of my art creations. Iregard inspiration as a rushing stream of energy which needs to pourout. That's why I have to draw! And there are always sassy models, orideal dames I want to portray... When there will no longer be much left to do with drawing these pinups..."

Jimmy Backius

2007-06-27T09:36:00.000-07:00

Jimmy Backius

Fashion photographer from Stockholm, Sweden.

Jean-Honoré Fragonard

2007-06-25T09:23:00.000-07:00

Jean-Honoré Fragonard

Información de la Wikipedia

Jean-Honoré Fragonard (5 de abril de 1732 – 22 de agosto de 1806) pintor francés.
Nació en Grasse, Alpes-Maritimes, hijo de un sastre especializado en la realización de guantes. Pronto fue enviado a París por su padre, allí demostró tal talento e inclinación hacia el arte que fue llevado ante François Boucher, quien reconoció las dotes del joven e inexperto Fragonard, pero decidió no gastar su tiempo en la formación del joven y a su vez le envió al taller de Chardin. Fragonard estudió durante seis meses bajo la tutela del gran luminista y volvió al taller de Boucher, donde supo adquirir el estilo de su maestra de tal forma que el maestro le confió la realización de réplicas de sus pinturas.
Aunque no era un alumno de la Academia, Fragonard ganó el Premio de Roma en 1752, lo que le permitía su asistencia a Roma subvencionada por la Real Academia de Escultura y Pintura de Francia, con su pintura "Jeroboam sacrificando a los ídolos", pero antes de ir a Roma estuvo estudiando durante tres años en el taller de Charles-André van Loo. El año antes de su partida a Roma pintó la obra "Cristo lavando los pies de los apóstoles" actualmente en la catedral de Grasse.
Ya en 1756 fue a Italia en compañía de Hubert Robert, esta visita fue clave ya que durante su estancia en Roma pudo admirar los románticos jardines, con sus fuentes, templos y terrazas, donde concibió los escenarios que posteriormente plasmaría en sus obras. Sobre su obra influyó también la florida suntuosidad de Giovanni Battista Tiepolo cuya obra tuvo oportunidad de estudiar en Venecia, antes de su regreso a París en 1761.
En 1765 su obra "Corsus y Callirhoe" le aseguró su admisión en la Academia. La obra fue objeto de elogio por parte de Diderot y fue adquirida por el rey, quien la mandó reproducir. Hasta este punto Fragonard había dudado entre temática religiosa, clásica y otros temas en sus obras, pero en este momento la demanda de patrones por parte del rey Luis XV que representasen escenas de amor y placer en la corte, dirigió la temática de las obras de Fragonard hacia las obras con escenas de amor y voluptuosidad con las que el nombre del artista ha sido asociado. Destaca de su estilo la belleza de los colores así como la virtuosidad del trazado fácil de sus obras. Las obras más destacadas incluyen El columpio, El cerrojo, El beso robado, Las bañistas, así como la decoración de las estancias de Mme du Barry y la bailarina Marie Guimard.
La Revolución Francesa significó el final del antiguo régimen, y Fragonard, cercano a los máximos representantes del mismo, dejó París en 1793 y encontró refugio en la casa de su amigo Maubert en Grasse, que decoró con una serie de paneles decorativoc conocidos como Roman d'amour de la jeunesse, originalmente pintados para el pabellón de Mme du Barry en Louveciennes. Los paneles fueron a parar a J. Pierpont Morgan, quien a su vez los vendió a Henry Clay Frick. Actualmente ocupan las paredes de un hermoso Salón de la Frick Collection de Manhattan. Fragonard volvió a París a principios del siglo XIX, donde murió en 1806, prácticamente olvidado.
Durante más de medio siglo fue completamente ignorado, hasta tal punto que Michael Scheißkopf, en su obra Historia del Arte (1873), ni siquiera menciona su nombre. Posteriormente su redescubrimiento le supuso su confirmación entre los maestros de la pintura.
Además de las obras antes mencionadas, hay cuatro obras destacables en la colección Wallace: La fuente del amor, La institutriz, Una mujer grabando su nombre en un árbol (usualmente conocida como Le Chiffre d'amour) y El niño rubio. El Louvre contiene treinta ejemplos de su arte: entre ellos Las bañistas, El músico, La tormenta. Otras obras se encuentran en el museo de Lille, Besançon, Rouen, Tours, Nantes, Avignon, Amiens, Grenoble, Nancy, Orleans, Marseille, etc, así como en Chantilly. También se pueden encontrar obras de Fragonard en colecciones privadas como la de la familia Rothschild en Londres y París.

Martin Kovalik

2007-06-22T07:35:00.000-07:00

Martin Kovalik

Fotógrafo checoslovaco nacido en 1970. Sus fotógrafías exploran el erotismo de la mujer con resultados espectaculares.

Jerome Abramovitch

2007-06-20T06:57:00.000-07:00

Jerome Abramovitch

Jerome Abramovitch es fotógrafo, artista de performance, y unactivista de las modificación del cuerpo (él es especialmente reconocido porque se inyectó una solución salina en su frente lo que le hace tener un característico bulto redondo en su cabeza). El artista tiene su estudio en Montreal.

"At a glance Jerome could easily be imagined as a slightly perverse freak blending effortlessly into the deviant subcultures he documents... Or is he a chameleon of the highest order able to slip in and observe without being noticed? But he is noticed; he’s the urban ninja cyclist, the man with the inflatable forehead, the guy who cut his own finger off, the guy with all the scars. He’s also the well dressed artist at his openings, the well spoken TV guest challenging listeners to know themselves, the talented web designer. His work and his own image are well recognized in Europe, Japan, not to mention the Americas... at least in the right circles. Jerome Abramovitch moves seamlessly between object, subject, voyeur, and documenter.

Jerome has photographed many of the world's most extreme individuals, has documented the radical body modification community and sexual underground from the inside out, and worked closely with some of the biggest names in freakdom ever to spend five minutes being exploited by obscure cable TV stations."

Samantha Wolov

2007-06-18T06:40:00.000-07:00

Samantha Wolov

Joven fotógrafa norteamericana que vive en San Francisco. Tiene un blog llamado "Nekkid with a Camera". Es bastante sarcástico el slogan que cuelga al hablar sobre ella: "I take pictures of people having sex and call it art."

"My work is a response to a lot of social theory that I simply don’t agree with. First, people assume there are clearly established definitions of art and porn, but because everyone’s definitions are different and subjective, these concepts can’t be defined, so basing an argument on definitions isn’t effective. I also don’t agree with the binary that it’s art versus porn, denying the chance of any overlap. I see little aesthetic difference between “art” and “porn”. When I say that, I’m reacting to people who argue a traditional nude photograph is “art”, and a photograph in a magazine like Playboy is porn. Someone had to design those shots, develop the lighting, find the models, edit the pictures, and overall, needed an artistic eye and an attention to detail. So what, because of their venues, one is art and one is porn? Yes, there are spectrums for art and porn, and yes, sometimes there are obvious differences between them, but I want to focus on the overlap, on the times when you can’t tell the difference. If you can’t tell the difference between art and porn, what does that say about the definitions between the two? What does that say about societal notions towards porn, sexuality, and erotica?

Moreover, I think by pitting porn against art, you’re pitting the stigmas and associations around each against each other, too. It’s the nature of the binary. If art is supposed to represent culture, expression, class, refinement, and education, then porn, by nature of the binary, is supposed to represent lack of morals, lack of education, and lack of class. That’s not fair. People who enjoy pornography have every right to do so, and should, in no way, be made to feel guilty about this.

I want to take pictures that can’t clearly be labeled as art or porn, to encourage people to reevaluate their ideas of the two and perhaps recognize that not only is there overlap between them, but that the overlap isn’t disastrous. I’m not trying to proselytize, I just want people to think."

Stanley Lau

2007-06-15T06:29:00.000-07:00

Stanley Lau

Stanley Lau (también conocido como Artgerm en la comunidad de Devianart) es una apasionado de los cómics los videjuegos y el diseño gráfico. Junto a otros artistas ha creado la empresa Imaginary Friends dedicada especialmente al diseño gráfico en videojuegos. Es espectacular ver las fotos del interior de la empresa donde se ve una mesa de billar y varias máquinas de videojuegos.

Información de Devian Art

"Hi everyone. I’m Stanley Lau, aka Artgerm in the art community. I was born and bred in Hong Kong, and migrated to Singapore 15 years ago when I was 17. My native language is Chinese and I speak Cantonese, Mandarin and English. I love games of all platforms (pc, ps2, psp, xbox, arcade), and I am currently playing DOTA and Ghost Recon III. My favorite games are Bubble Bobble and Katamari Detamacy. I also play basketball, tennis, and occasionally karaoke. I am a Christian.

I've loved drawing since I was a kid. My mum used to buy me stacks of coloring books and sketch pads. I could spend the whole day drawing and coloring and soon, that became my favorite hobby during my childhood. My interest in art developed further in Primary and Secondary school days. I was known as the “drawing guy” in class. My text books (as well as my classmates’) were filled with doodles and flip book animations. That was fun! Gradually, I made a name among the classmates and teachers and was recommended to handle some publication designs for my school, as well as putting up my first personal art exhibition in the school library. That really got me started thinking about being an artist as a profession.

Like the rest of the Singaporean guys, I have to fulfill 2 years of National Service in the Army. In the 2 years, I was appointed as the lead designer for my camp to produce publicity materials like banners, T-shirts, wall murals, posters etc. It was fun and kept me in tune with who I am; at the same time, this earned me extra off days. After my NS days, I was even more determined to pursue Art & Design as my career. Although I faced resistance from my dad, I was able to convince him with my determination and confidence in success in this industry.

After NS days, I took up a diploma course in Visual Communication in a local polytechnic – Temasek Polytechnic. Honestly, the course did not help much in improving my technical skill. However, it built up my discipline in design and expanded my network with potential clients. Also, I got to know a bunch of good friends who also became my team mates upon graduation. Those 3 years in a design environment, with no distractions of boring subjects like Physics & Mathematics, helped me to focus on improving my design knowledge. Most importantly, I spent most of my free time in the school library reading up all kind of publications beside Design books. I believed and still believe that ideas come from everywhere.

In general, 80% of my design knowledge and skills are acquired through self-learning via books and Internet. I like to challenge norms and general perceptions, which help me to find out theories behind things.

Being curious by nature, I question about everything. For example, I can spend time to check out every command in Photoshop, to find out its very function… Think about the exact color of a tree’s shadow under a clear sky compared to a stormy one, in different times of the day."

Mirela Bratu

2007-06-13T22:12:00.000-07:00

Mirela Bratu

Información de Photeur

Mirela Bratu, a photographer born in Bucharest in 1978, is a trained journalist who took up photography as a student. She won the second prize in a photo contest organized by Playboy Romania and has since been engaged almost exclusively in erotic photography. She works as a freelance photographer in Romania and had her first exhibition at the Goethe-Institut in Bucharest in 2002 as well as photographs published in various magazines (such as Stern, Germany).The color photographs which she nonchalantly lures from her simple Chinese Holga carry the poetry of decay with their blurs, shadings and double exposures to the present time. She precisely portrays her immediate environment, shows her melancholy female friends on her balcony – essentials without technical gimmicks. Michelangelo Antonioni would certainly have fallen in love with one of these beauties and written the script of a film as unfathomable and timeless as they are.

Joan Miró

2007-06-11T21:55:00.000-07:00

Joan Miró

Información de Buscabiografías.com

Joan Miró (1893 - 1983 ). Pintor español. Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona. Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Gali de su ciudad natal. Realizó su primera muestra individual en las Galerías Dalmau (1918). En sus trabajos anteriores a 1920 aparecen influencias fauvistas, del cubismo y de los frescos románicos catalanes. En el año 1920 viaja a París donde hace amistad con Pablo Picasso, conoce a Tzara y Max Jacob y asiste a eventos dadaístas. En 1921 expone en solitario en la Galerie La Licorne. Un año después forma parte del "Grupo de la rue Blomet" junto a André Masson, Artaud y otros. Miró parte de la memoria y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista como en El campesino catalán de la guitarra (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid), El carnaval del arlequín (1925, Galería Albright-Knox, Buffalo) o Interior holandés (1928, Museo de Arte Moderno, Nueva York). La composición de sus obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas en una gama corta de colores vivos, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen siluetas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas. Posteriormente produjo obras más etéreas en las que las formas y figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de color. Aunque identificado con la causa republicana, volvió a España en 1940 tras el inicio de la II Guerra Mundial. Experimentó con otros medios, como grabados y litografías, a los que se dedicó especialmente en la década de 1950. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales cerámicos La pared de la Luna y La pared del Sol (1957-1959) para el edificio de la UNESCO en París y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. La Fundación Miró de Barcelona fue inaugurada en 1975.

Rina H.

2007-06-08T21:42:00.000-07:00

Rina H.

Photography has become a passion. Born in 1953 in Hamburg (Germany). Selftaught photographer

Patrick Trautwein

2007-06-06T21:30:00.000-07:00

Patrick Trautwein

Fotógrafo creo que francés (no hay casi información sobre él en la red). Fotógrafo especializado en la fotografía de moda.

Steven White

2007-06-04T21:23:00.000-07:00

Steven White

Información Gallery Bernstein & Andriulli

Steven White was born and raised in the United States however, he began his photography career in Milan where he worked for magazines such as Bazaar and L’Uomo Vogue. Some of the campaigns he shot were: Krizia, Breitling, Swatch, La Perla, and Valentino. After two years in Europe, White moved to New York where he began working for Harpers Bazaar, several European editions of Vogue, Coach, Bergdorf Goodman, and Armani. After five years in NY he decided to focus on travel photography and personal work. His travels took him to such places as Peru, India, Thailand, Cuba, Sri Lanka, Africa, S. Africa, Central and South America. This body of work is currently being edited for book publication.

Pierre Bonnard

2007-06-01T13:23:00.000-07:00

Pierre Bonnard

Información de la Wikipedia.

Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses ,3 de octubre de 1867- Le Cannet, 23 de enero de 1947) paisajista, pintor, ilustrador y litógrafo francés, dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística
Se le suele incluir dentro del movimiento de los Nabis con Paul Sérusier, Maurice Denis, Paul Ranson, Edouard Vuillard, Xavier Roussel o Félix Vallotton, influidos por Paul Gauguin y el japonismo.
Su padre presidía el Ministerio de Asuntos Belicistas. En 1899 se consagra como artista publicitario y conoce a una muchacha de origen humilde llamada Maria Boursin, que cambia su nombre a Marthe de Méligny para parecer más aristocrática, que se convierte en su esposa y musa y con quien tuvo dos hijos Charles, químico y Andrée, música
A pesar de que le encantaban la filosofía y la literatura, estudió derecho en la Universidad de París de educarse en colegios de prestigio sufragado por su padre. En 1887 decidió dedicarse a la pintura y siguió cursos en la Academia Julian y la Escuela de Bellas Artes de París, momento en que conoce a los artistas del movimiento Nabis. Su trayectoria pictórica se fue decantando hacia el naturalismo, el simbolismo movido por su interés por la magia y las ciencias ocultas
En 1910 dejó París por el sur de Francia. Vivió en Francia y el Norte de África.

Ray Peña

2007-05-30T13:19:00.000-07:00

Ray Peña

Artista norteaméricano que utiliza tanto técnicas tradicionales como técnicas digitales. Su especialidad es la animación en 3D.

Actualmente vive y trabaja en Austin.

Michael Skrebba

2007-05-28T13:03:00.000-07:00

Michael Skrebba

“I was born in Berlin which was devided at that time, and I still live and work there today.

Actually, photographing has always been my hobby. Photography and its technique were matters of particular interest already in my early life.

Later, due to different other duties like e.g. course of study, this hobby inevitably took a back seat many a time.

After course of study and start of work life my interests in photography were stimulated again - in a manner of speaking as compensation for job related daily-life.

In a short time my requirements increased and the good old camera was replaced by a Minolta 9000 which accompanied me reliably on many - in part very adventurous - travels through South America and Asia.

Then, in parallel to the photography, I found a new hobby - the nude painting. Fascinated by the thought to show the feminine body realistically but in artistic vein, I improved my painting technique from picture to picture.

My first success by selling some pictures gave me a boost to go on in this way.

It was only a small step from the nude painting to the nude photography - and it became my focal point.

I offer this site to give a broad public an understanding of my pictures.”

Enki Bilal

2007-05-25T12:54:00.000-07:00

Enki Bilal

Información de La Guía del Cómic.

Historietista mediático por excelencia, Enki Bilal (Belgrado, 1951) ha logrado en los últimos años convertir en noticia cada nuevo lanzamiento de sus obras. Si el estreno de su última trilogía con El sueño del monstruo ya hizo correr, en la medida de lo posible, ríos de tinta, la llegada de 32 de diciembre no le va a la zaga. Bilal es, sobre todo en su país de adopción, Francia, algo así como un fenómeno cultural, una estrella de la BD, tal y como lo prueba el hecho de que su esperado álbum saldrá al mercado con una tirada inicial de más de 300.000 ejemplares.

Debutante en 1972 en la popular Pilote, entrará allí en contacto con los grandes nombres de la historieta francesa, y precisamente durante sus primeros años en la revista se le considerará discípulo de Moebius tanto estética como temáticamente. En aquel entorno se iniciará su prolífica colaboración con el creador de Valerian, Pierre Christin, con quién firmará un total de seis trabajos entre 1975 y 1983. Pero pocos años antesya había decidido lanzarse al ruedo en solitario con La feria de los inmortales, primera entrega de la que luego sería conocida como Trilogía Nikopol, que se completaría con La mujer trampa y Frío Ecuador.

Artista inquieto, director de cine, pintor e ilustrador, se ha convertido, con algo más de cincuenta años, en un clásico de la historieta y en un referente para muchos creadores. Desde su afición por la aventura y la ciencia-ficción, género de moda en los 80 y donde creó escenariosmaravillosos, logró evolucionar a través de la experimentación gráfica hasta forjar un imaginario propio complejo y difícil de imitar.

Philip Warner.

2007-05-23T12:38:00.000-07:00

Philip Warner

Lithium Picnic Studio is the work of award-winning photographer/designer Philip Warner. Based in Houston, Texas he is available for shoots worldwide and shoots regularly in LA, NY and Miami.

"I am a photographer and designer based in downtown Houston, Texas. We are in the process of expanding our space and building a new studio in a historic metal shop in Houston's historic first ward.

An avid photographer and designer for over fifteen years, I recently made the decision to focus on fashion and artistic work. Though we are experienced with a variety of formats, the majority of our work is done in high end digital."

Georg Baselitz

2007-05-21T12:31:00.000-07:00

Georg Baselitz

Información de Círculo del Arte

Georg Baselitz, nombre artístico de Hans-Georg Kern (Sajonia, 1938), es uno de los creadores europeos más destacados de la segunda mitad del siglo XX, y puede considerarse un descendiente de Munch, Matisse o Tàpies. Dentro del contexto del arte alemán de posguerra ha sido y es una de las figuras más originales y auténticas, al margen de escuelas o movimientos artísticos. Un momento clave en su biografía fue el año 1956, en que vio en Berlín la exposición The New American Painting, donde conoció la obra de artistas como Pollock y Guston, representantes del expresionismo abstracto, que le marcaron profundamente. La obra de Baselitz, cuya célebre imagen de marca son las figuras pintadas cabeza abajo, está a medio camino entre la figuración y la abstracción, y a menudo se le incluye, aunque erróneamente, en el neoexpresionismo. Después de exponer en las galerías y museos más prestigiosos del mundo, en 1995 el Guggenheim Museum de Nueva York organizó su primera retrospectiva. En España el artista ha sido galardonado recientemente con el Premio Internacional Julio González, de la Generalitat Valenciana. En octubre de este mismo año le será entregado el prestigioso Praemium Imperiale otorgado por la Asociación de Artistas del Japón.

Jinnine Pak

2007-05-18T11:54:00.000-07:00

Jinnine Pak

Fotógrafa norteamericana que vive y trabaja en Nueva York.

"In 2004, I worked on a portrait series of women. These women were strangers before photographing them for this series. They responded to my online posting calling for females of all types to participate. Each was photographed in their bedrooms in natural and/or ambient light. This project provided the opportunity to meet women of many different backgrounds and to capture a part of their lives. My camera was a passport to enter places I might never have otherwise. The process was an immersion into a woman's life and molding it to make it my own. They are depictions of how I want the women to look - with a sentimental mood and intimacy, both diffident and confident. Her disposition, space, objects, clothing, makeup, and colors were used to create a milieu of sexuality, wonder, hope, nostalgia, loneliness, independence, resignation, intent, anxiety, and peace. The women are sharing a secret: I want them to be cherished, and then let go."

David Flores

2007-05-16T12:18:00.000-07:00

David Flores

Los datos sobre el artista David Flores que he encontrado son bastante desconcertantes... pero allí van:

David Flores, a well-established international artist, has sold out shows from New York to Tokyo. His easily identifiable style has been seen on magazine covers the world over as well as on products for companies like Vans, Oakley, X-Large and skate company Shorty’s. His designs have been seen on clothing worn by celebrities from Paris Hilton, skate legend Chad Muska to baseball superstar Daisuke Matsuzaka. After developing into a major art star in Tokyo, at long last, Flores returns to Los Angeles with all new work for an exhibition at project: gallery. The exhibit opens March 10th, 2007 from 7-11pm and runs through March 31st.

"My name is David Flores. I am a stencil artist from Southern California. Representing ...as the collective since 2002. I am the guy who paints girls in gas masks. Sometimes they wear hardly anything, sometimes they wear more, but it is only for the photo. I am not sexist in any way, shape or form, and I feel that it is important that I clear that up. And while I am on the subject, I do not do heroine either, but it does happen out there and I think people neglect to see that fact, as well as poverty, war and equality. I love my life. I work hard at what I do, and won't stop until I get to where I want to be. I am currently building an empire. It appears to be happening slowly to some people, but it has all gone as planned thus far. I love hip-hop and it's culture. I like painting pictures of it's people. I don't use Photoshop for any of these paintings that I speak of".

2Urban Artist. Iranian born in Tehran. I started graffiti stencil from 2002 when I made the second stencil from acetate sheet in my life. It was the Munch's "Scream" which I wanted to spray in Our Art University walls. Why? because the Art scene is terrible in Iran and like any other environments it's full of obligations and controls. I did my job and after that i just worked and sprayed. It was not just the start for my work, but a start for Iranian graffiti scene which got to start 2 years later. Most of my time i am surfing the web, saving images and making stencils out of them. The rest of my time i am surfing the streets, taking photos and making stencils out of them. I make my life with graphic design and selling my canvases (paintings). So you see I have a miserable life".

Peter Paul Rubens

2007-05-14T11:20:00.000-07:00

Peter Paul Rubens

Información de la Wikipedia.

Pieter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania, 1577 - Amberes, actual Bélgica, 1640). Pintor flamenco. Fue el pintor barroco más destacado de la escuela flamenca.
Su padre, calvinista, hubo de refugiarse por motivos religiosos en Colonia, donde Rubens posiblemente comenzó su formación artística, continuada luego en Amberes, donde regresó a la muerte del padre.
Entre 1600 y 1608 realizó un prolongado viaje por Italia en el que visitó Venecia, Génova y Roma, estudiando a los maestros del Renacimiento italiano (Tiziano, Veronés, Tintoretto) y a los del incipiente barroco (Annibale Carracci, Caravaggio). También ejecutó varios encargos.
En 1609 casó con Isabel Brant. En segundas nupcias lo haría con Elena Fourment.
En 1627 viajó a Holanda, de 1628 a 1629 a Madrid y más tarde a Inglaterra, pues, además de pintor, fue diplomático al servicio de España.
Dominaba varias lenguas y fue muy pródigo en obras: se calculan unos 3000 cuadros los que llegó a pintar gracias –-sin duda-– a los miembros de su taller que al parecer trabajaban en cadena. Discípulos suyos fueron Jordaens y van Dyck.
Sus características como pintor son las siguientes: la realización de grandes cuadros para altares, el alegre colorido (no tenebrismo) y una temática que va desde bodegones opulentos a retratos aristocráticos pasando por temas mitológicos.
Entre sus obras destacan: el Descendimiento de Cristo (de carácter religioso, realizado entre 1611 y 1612), el Retrato ecuestre del duque de Lerma (retrato, 1603) y Las tres Gracias (mitológico, 1638), así como la serie dedicada a la reina de Francia María de Médicis.

Yuri Bonder

2007-05-11T09:17:00.000-07:00

Yuri Bonder

Fotógrafo de origin ruso que vive y trabaja en Tel Aviv (Israel).

Rebekka Guðleifsdóttir

2007-05-09T09:00:00.000-07:00

Rebekka Guðleifsdóttir

Rebekka Guðleifsdóttir es fotógrafa islandesa. Sorprende la calidad de las fotos, pues su formación fotográfica ha sido totalmente autodidacta. Rebekka ganó un premio por sus autoretratos en los Flicky awards 2005.

Bill Ward

2007-05-07T06:29:00.000-07:00

Bill Ward

Información de State of Art.

Bill Ward (1919-1998) was essentially an accomplished illustrator who developed a speciality at which he became the unassailable master. Ward’s signature was the glamour girl, a completely sexist, non-PC representation of the American woman, which started life as a light hearted character called Torchy in a wartime GI magazine. The UK had its own equivalent in the Daily Mirror’s dippy Jane cartoon, but whereas Jane innocently giggled her way into numerous silly situations, Torchy sashayed her way through life oozing sex appeal and smarts.

After the War, Ward developed this character into a full blown sex siren, and the busty, long legged starlet in stilettos was born. Ward’s method was the sepia Conte crayon tonal drawing, which naturally lent itself to publishing by taking on a photographic quality when coloured in, and from the 1950s onwards his work appeared in a mass of what used to be known as ‘mens magazines’. This success lasted until photography started to dominate the genre, a imagery a lot more explicit – but strangely less erotic – than Ward’s drawings. In the decade that spawned Playboy, Bill Ward had to change his style to survive and he did this by developing a line in fetish characters which brought him into contact with transvestites and lifestyle bondage clubs. He rapidly attained cult status within this hidden world.

It would be a mistake to dismiss Ward as a cheap pornographer pandering to a salacious audience, using the drawing medium to avoid the full attention of the law. Many artists who attempted to imitate his style have failed miserably, and of those that used some of Ward’s extreme imagery for inspiration, a few are cult comic hero’s themselves, most notably Robert Crumb. It’s true that Ward did enter a bad patch in his career, when social mores changed and the permissive 60’s heralded in the Deep Throat era. He was forced to turn his skills to suggestive cartoons – a vulgar and more overtly sexual version of the seaside postcard, but without the element of innocent fun embodied by Donald McGill. He also illustrated lingerie catalogues selling risqué underwear (to good effect) and a host of ‘adult reading’ story magazine covers. All these artworks are now collector’s items and Taschen have done an outstanding job in presenting the complete Bill Ward, sourcing images and examples from the many facets of his long career. Ward’s original works are now avidly sought after by collectors across the world. Produced in a large format and in full colour, using a cartridge paper stock that reproduces the qualities of the originals perfectly, this book is itself destined to become a collectors item.

Dean M. Beattie

2007-05-04T06:23:00.000-07:00

Dean M. Beattie

Información de JADE Magazine

Dean M. Beattie is regarded as one of the foremost up-and-coming fine art photographers working in the USA today. His work has, in recent months, been featured in a number of publications including our own Special Reserve Collection. His style is both simple and elegant, and focuses on the balance and symmetry of the objects, structures and people he sees through his lens.

Dean lives on the outskirts Pittsburgh, Pennsylvania in the small town of Hiedelberg where he is the Chief Digital Imaging Specialist for The Pittsburgh Tribune-Review - but he quips with a grin, don't let that fool you; he is a purist when it comes to shooting, and film is his medium of choice.

Egon Schiele

2007-05-02T06:03:00.000-07:00

Egon Schiele

Información de la Wikipedia

Egon Schiele (Tulln, Austria, 12 de junio de 1890 – Viena, 31 de octubre de 1918), fue un pintor austríaco contemporáneo de Gustav Klimt.
Fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.
Su padre era jefe de estación; su madre originaria de Krumau (actualmente Český Krumlov), en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.
En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.
En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.
En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).
Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.
Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos.
Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. En febrero de ese año también acabó la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.

Martin Rafael Class

2007-04-27T19:40:00.000-07:00

Martin Rafael Class

Martin Rafael Class is a photographer associated with Chicago’s fetish and BDSM scenes. Martin Rafael Class has been a photographer for 17 years now and is clearly addicted to women. He began his adventures in the realm of erotica having exchanged a radar detector for a camera and then finding employment in a studio where he learnt the techniques of printing and studio lighting. By his own admission though, he learnt more of his chosen trade by studying other people's work in libraries and watching old black and white movies. When not shooting on location as opposed to in a studio, he is often to be found in his dark room, hunched over development dishes and perfecting his art.

John Wimberley

2007-04-25T19:17:00.000-07:00

John Wimberley

John Wimberley was born in Paget, Bermuda, in 1945. His family moved to the San Francisco Bay Area in 1948, where he continued to live until 2003. As a child, John was fascinated with fairy tales and myths, which he feels had a major influence on his later work. He first became involved with photography while serving in the Navy durint the 1960's. As an aviation electronics technician on aircraft carriers during the Viet Nam war, John's first pictures were of flight operations. Upon his discharge in 1967, he avidly pursued color street and landscape photography. Unfortunately, almost all this work, totaling more than 10,000 slides, was lost to water damage.

The direction of John's photography took a radical shift in February, 1969. A profound experience while photographing a group of trees in Canyon del Puerto, California, caused him to switch to black and white. More importantly, his began to focus exclusively on what he perceived as spiritual aspects of the world. He began a long-term study of Jungian psychology, shamanism and spiritual disciplines. The need to earn a living as an electronics technician limited his time for photography to lunchtimes, evenings, weekends and vacations. The year 1973 brought his first one-man show. Reviewing it, Artweek Magazine noted: "His prints are not merely technically correct, but wonderfully alive." In 1983 John had the first of two, two-man exhibitions with Ansel Adams.

During the 1970 and 1980's, John's emphasis was on the landscape. He photographed repeatedly at locations which to him conveyed spiritual power, returning to certain locations for more than 25 years. Many exhibitions followed to rising acclaim. In 1981, he made a series of photographs of a woman underwater, which resulted in Descending Angel. That year John published Presence, a limited edition portfolio of 12 prints. He also left electronics to devote his full time and energy to photography, and has lived from print sales ever since.

Trips to New Zealand in 1985 and Ireland in 1986 added to his growing body of work. He became a sought-after workshop teacher and lecturer. In addition, since the early 1970's John has performed research into photographic developer chemistry, resulting in two pyrogallol film developer formulae that are marketed by The Photographer's Formulary of Condon, Montana. An article he published in 1977 initiated the current renaissance in the use of pyrogallol. He became a sought-after expert in black and white film development chemistry and techniques.

During the second half of the 1990's John's photography concentrated on the ghost towns and abandoned mining camps of Nevada. Then in 2000, his deep interest in shamanism led him to begin photographing Native American rock art sites. Now, with more than 38 years in photography, John's critically acclaimed work has been honored with more than 50 exhibitions and has been published around the world. His work is represented in more than 400 public and private collections, including many major museums.

Panni Malek

2007-04-23T05:52:00.000-07:00

Panni Malek

A native Angelina, Panni Malek was born in 1984 in sunny West Hollywood. She has a taste for fine fashion, lingerie and antique lace. In her art, she explores themes of beauty, sexual provocation, neo-burlesque and social notions of femininity. She is highly influenced by eyelashes, vintage Emilio Pucci, Victorian textile, Art Nouveau, girls and hearts. Her oil paintings are a unique combination of classical realistic rendering and graphic textile design. She graduated with honors in 2006 from Otis College of Art and Design with a B.F.A in illustration. She’s currently residing in New York City working towards her M.F.A. in painting. She spends long days painting in her pink apartment with her new kitten Hera.

Vladimyr Adadurov

2007-04-20T18:53:00.000-07:00

Vladimyr Adadurov

Fotógrafo creo que ruso, pero es difícil encontrar información sobre él, y la poca que hay está en ruso y no he conseguido traducirla. Lo que está fuera de duda es la calidad de las fotografías, a Adadurov sin duda le gusta jugar con las sombras y las texturas como se muestra en este par de fotografías.

Antonio Berni

2007-04-18T15:52:00.000-07:00

Antonio Berni

Información de la Wikipedia

Antonio Berni (Pintor argentino) nació en Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina, en 1905 y murió en Buenos Aires en 1981. Sus padres eran de origen italiano, su padre Napoleón Berni era sastre nacido en Italia, su madre Margarita Picco era argentina hija de inmigrantes italianos radicados en Roldán, un pueblo de la provincia de Santa Fe. Fue un artista representativo de la época que vivió; lo caracterizó el fuerte contenido social de su obra. Con una galería de personajes entre los que se destacan Juanito Laguna, y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados.
En 1914 ingresó como aprendiz en el taller de vitrales Buxadera y Cía, estuvo allí durante un año. En 1915 su padre lo envía a casa de sus abuelos maternos en Roldán (Santa Fe). En 1925 gana la beca del Jockey Club de Rosario para ir a estudiar a Europa, allí concurre a los talleres de André Lhote y Othon Friesz. En París se pone en contacto con la pintura metafísica y con el surrealismo, además de adherir a la idea de la acción artística comprometida con la realidad política y social. En 1933 toma contacto con el mexicano Siqueiros y la técnica de muralismo. Una beca en 1941 de la Comisión Nacional de Cultura le permite viajar, por Latinoamérica y estudiar su arte.
En 1920, con 15 años, expuso sus cuadros por primera vez, en el Salón Mari. Eran paisajes suburbanos y estudios de flores. Repitió la experiencia en 1921, 1922, y 1924. En 1923 expuso en la galería Witcomb de Buenos Aires. Para entonces ya recibía halagos de los críticos de arte en diarios como La Nación y la Prensa (diarios muy reconocidos del momento). En esta época sus cuadros respondían al impresionismo y paisajismo.
En 1943 obtiene el Gran Premio de Honor del Salón Nacional, en Argentina. En 1962 gana el Gran Premio Internacional de Grabado de la Bienal de Venecia. Sus grabados también son premiados en la Bienal Internacional de Ljubljana, Cracovia y en Intergrafik de Berlín.
Su obra estuvo influenciada por los acontencimientos históricos, que vivió a lo largo de su vida. En 1933 en contacto con Siqueiros y el muralismo como arte de proyección comunitaria, comienza a trabajar, en composiciones de gran tamaño, que tratan a escala monumental los conflictos de las clases populares. En 1944 funda junto a Spilimbergo, Castagnino, Urruchúa y Colmeiro, el primer Taller de Arte Mural, con el que ejecuta al año siguiente la decoración de la cúpula de las Galerías Pacífico.

Bryten Goss

2007-04-16T15:38:00.000-07:00

Bryten Goss

Bryten Goss on being an artist in Los Angeles instead of Paris or New York." Bryten Goss was born in Los Angeles in 1976 and died in October 2006, he was 30 years old.

His ability to paint first emerged when he five and the significance of that early period was not lost on those who recognized his true potential, especially his mother. Understandably, Goss began searching for his true vocation in his early teens, ultimately deciding to follow his first true love--painting. A self-taught painter, Goss traveled the world at seventeen in search of the impressionistic material in which he first became recognized by his many patrons.

As he advanced, he studied the female form, and considered himself a figurist painter. That is until he painted the Triumph of Death series, which led to yet another turn in his work, city scapes, burning cities and buildings. Then he started painting images not like anything before, "Alex Riding a Pig," "The Little Pope," "The Blind Leading the Blind." The progression led to his most powerful work yet, "Women Riding Pigs." Some of his many collectors are: Nicolas Cage, Kevin Smith, Jason Lee, Nick Nolte, Joey Pantoliano, Wynona Rider, Giovanni Ribisi, Danny Masterson, Laura Prepon, Chris Masterson, Jenna Elfman, and others. Goss' career began with privately funded shows in 1993, with annual exhibitions. In 2001 InStyle Magazine hosted a red carpet affair at Quixote Studios in Hollywood, California, attended by many of Hollywood's elite. With 34 pieces on show that evening the exhibition sold out and garnered a great deal of well-deserved publicity for the prolific young artist. Goss was an integral part of a group show held in October 2002 at the “Downtown Independent Gallery” at 811 Traction. The show featured Goss, world-renowned artist, Gottfried Helnwein, and two other painters, Patrick Morrison and the now late Miguel Arguello. In the summer of 2003, Goss was part of the ever-popular artists’ festival, “Scope-Art Los Angeles” which was held in the Standard Hotel downtown Los Angeles.

Goss began walking on yet another journey one which only the old masters have walked--etching. He researched the etching techniques favored by the old masters; thus finding another medium in which to produce his messages. Goss took on a year-long commission of “Women Riding Pigs,” 25’X6’, oil on linen, for wealthy patron Roberto Santos of Mexico. After having personally delivered that piece in September 2006 in Mexico, Goss fell ill. He returned home to continue his work, preparing for his NYC Exhibition, and his health turned for the worse. Pneumonia, complicated by a virus which attacked his heart, Bryten Goss passed away from heart failure on October 26th, 2006.

Jam Montoya

2007-04-15T15:03:00.000-07:00

Jam Montoya

Jam Montoya (Badajoz, 1953). Ha mantenido actividades diversas dentro del ámbito fotográfico como creativo, investigador y docente. Ha impartido clases en diferentes centros y cursos académicos en la Universidad de Extremadura: “Interpretación fotográfica de la luz “, “Iluminación de interiores”, así como conferencias: “Sobre la creatividad”, “Motivación para la imagen y el estímulo visual”, “La razón de una obra”, “Ciencia, Arte y Religión”, “Cualidad de la forma”, “La identidad”, etc. Su labor docente también ha versado sobre fotografía aplicada a restauración de obras de arte y conservación de archivos fotográficos, dirigida a especialistas en arte y patrimonio. Su obra ha sido motivo de debate en congresos universitarios y tema de investigación en memorias de licenciatura y tesis doctorales.

Su aportación en un aspecto puramente técnico, radicó en la investigación y creación de dos nuevos procesos de fotomontaje o manipulación de la imagen: Proceso CUFY y Sistema de Altura, materializados en sus series fotográficas El Espacio Integrado (1985) y Gestáltica (1988). En 1990 obtiene la Beca de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura de la Junta de Extremadura.

Jason Chan

2007-04-13T15:31:00.000-07:00

Jason Chan

"My name is Jason Chan and I like to draw .
I was born and raised in Stockton, California in 1983. After high school I moved out to San Francisco to study 3D animation at the Academy of Art University, but promptly changed my major to illustration and graduated in the Spring of 06. I am now working at Massive Black.

As I said, I love to draw. Ever since I was a kid I've always been drawing characters for make believe video games, cartoons and comics. I also loved drawing my favorite X-men characters, warcraft heroes, and video game sprites. I drew a million Mega Man and Mario drawings. As I grew up, that love for video games and fantasy never left me. I grew to love fantasy novels and that inspired my work. Many of my favorite video games were japanese made so as I drew the characters from those games, I began to fall for the anime style. Of course, that lead me to watch anime - an addiction I still haven't been able to shake. After a couple of yearsof horrible attempts at manga style art, I began school in San Francisco and actually got some decent life drawing and anatomy practice. I began to to be exposed to some of the western masters such as Sargent, Leyendecker, Rockwell, and Frazetta. I embraced the esthetics of western art and tried to improve myself in that direction. Now I am trying to marry my western art education with my eastern art interest and see what happens.

I'm still trying. We'll see what happens."

Sam Haskins

2007-04-11T15:14:00.000-07:00

Sam Haskins

Información de OCAIW (Orazlo Centaro's Art Images on te Web).

Sam Haskins born in Johannesburg (South African) in 1926, moves to London in 1947 where he attends a photography school. In 1950 returns to Johannesburg opening a photography studio specializing in advertising. Back to London in 1968, after many moves, he inaugurates a photography studio.
His most important photo publications are "Five Girls", "Cowboy Kate", "November Girl", "African Image", "Sam Haskins in Bologna", and "Haskins Posters".
In Sam Haskins's female nudes, one can sense the careful and detailed professionalism of a still life photographer. He closely follows changes in fashion and new trends, writing: "After all, the public acceptance must be the main stimulus for any artist."
The black and white nudes present in "Cowboy Kate” are splendid: granulated details, deep blacks, odd cuts give a very high quality print. His photo assemblies are wonderful: the face of a model inside an apple, a tiny nude woman inserted within an unreal landscape of minerals, besides many others.
His most recent colour works are indescribably beautiful.

José Clemente Orozco

2007-04-09T14:46:00.000-07:00

José Clemente Orozco

Información de la Wikipedia.

José Clemente Orozco (23 de noviembre de 1883 - 7 de septiembre de 1949), muralista y litógrafo mexicano, nacido en Zapotlán (Jalisco) y fallecido en Ciudad de México. Graduado en la Escuela Nacional de Agricultura, estudió más tarde matemáticas y dibujo arquitectónico.
A los 26 años cobró interés por el arte y con Diego Rivera dirigió pronto el renacimiento mexicano. Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena; pero, interesado en la pintura mural, logró un perfecto dominio de su técnica.
Pintó murales para el Colegio Pomona de California, para el Dartmouth College y la New School for Social Research de Nueva York. La decoración de esta última, un verdadero fresco, pues fue pintada sobre yeso húmedo, fue la primera de este tipo que se hiciera en Nueva York.
Realizó numerosos murales en importantes edificios mexicanos, especialmente en el Palacio de Bellas Artes y la Universidad de Guadalajara, y en 1940 fue designado por el presidente Cárdenas para decorar el nuevo edificio del Tribunal Supremo de México.
El afán de lograr en sus cuadros recios efectos emotivos dio a sus obras simplicidad de línea y color y prestóles audacia en la interpretación de motivos contemporáneos y valores sociales. Pueden admirarse también muestras de su arte en la residencia del gobernador y capilla del Orfanato de la ciudad de México.
Está enterrado en la Rotonda de Hombres Ilustres de la capital mexicana.

Aernout Overbeeke

2007-04-06T14:35:00.000-07:00

Aernout Overbeeke

Aernout Overbeeke was born in Utrecht , the Netherlands, in 1951. Inspired by what he saw in his favourite museums during lunch breaks he turned to photography immediately after leaving school. After three periods of apprenticeship he started out as a freelance photographer in 1972.

The first ten years of his career he focussed on fashion photography. Since 1982 he has been concentrating on commercial work, which together with editorial work for Conde Nast, for instance, regularly involves travel to beautiful and mysterious places.

Since 1996 Aernout Overbeeke also directs commercials.

Heiko Klug

2007-04-04T14:21:00.000-07:00

Heiko Klug

Joven artista alemán en el área de diseño. La pena es que su página web tiene una presentación en flash demasiado lenta, y tarda horrores en cargarse.

"Jesar-one is the creative portfolio of a 24 year old man, called Heiko Klug. He started digital arts in the end of 2003 and tries to express his emotions and thoughts in an abstract way of art. His focus is basically on print media and webgraphics. He plans to expand his possibilites in motion- and corporate design. Currently Heiko Klug visits a school for media technology in Germany and will graduate in the end of 2007 and hopes to get an employment in a design agency."

Debra Hampton

2007-04-02T14:15:00.000-07:00

Debra Hampton

Debra Hampton was born and raised in the suburbs of Los Angeles, California. She obtained a B.A. in Art History from California State University and later moved to New York to complete an M.A. in Humanities and Social Thought from New York University with a certficate in Museum Studies. She is currently represented by Priska Juschka Fine Art in New York and maintains a studio in Long Island City.
Ms. Hampton has been recipient of the Chashama AREA Studio Residency and an A.I.R. Gallery fellowship. Her work is in the collections of The Museum of Modern Art Permanent Drawing Collection, The Frederick R. Weisman Foundation, and has been included in publications such as ArtReview (London), The New York Times, Queens Chronical, Etapes Graphiques (France), MasterMind, The New York Art World, and Animal Magazine (forthcoming).

André Brito

2007-03-30T07:48:00.000-07:00

André Brito

Nacido en Porto (Portugal), André es un fotógrafo freelance cuyo cuidado y delicadeza se comprueba en cada uno de sus flashes.

Aparte de los apartados de publicidad, moda o desnudos en B&W, tiene también la web Underwater photography donde se encuentran sus capturas en fotografía submarina.

Robert Chouraqui

2007-03-28T07:41:00.000-07:00

Robert Chouraqui

Información de Actuphoto

Robert Chouraqui est un photographe autodidacte; il est venu à la photo depuis le milieu des années 70 dans les années psychédéliques après avoir fait partie d’un des rares grands groupes français de LIGHT SHOW (spectacle de lumière), de cet univers lui viennent sans doute ses goûts pour les ambiances étranges et colorées et sa maîtrise de la lumière. Après des débuts par la photo de nu il a rajouté à son arc le portrait et est devenu le photographe de la mode étrange.Robert Chouraqui a consacré sa vie à la recherche de jolies modèles venus du monde entier et il les capture dans des images qui font le tour du monde.

Chouraqui a développé son propre style de « portrait nu » comme il dit : il se concentre en effet à chaque fois sur l’intimité du visage plutôt que sur l’anonymat des corps. Les filles sourient rarement et fixant l’objectif comme s’il allait leur voler leur âme, elles se laissent faire dans un mélange de défi et d’abandon. Le travail de Robert Chouraqui, très reconnaissable, a été diffusé par de très nombreux magazines et a été publié dans une dizaine de livres d’art devenus rapidement collector. Qu’il s’agisse de tirages argentiques, de transfert de polaroïds, ou d’images passées aux filtres numériques, toutes les techniques de Chouraqui ne visent qu’un seul but : accentuer la présence vivante de ces femmes-visages, les mettre en valeur de façon magique et presque perturbante.

Robert cherche tout le temps de nouveaux visages : alors femme fatale, sauvage gothique, , princesse aristocratique, ou pin-up tatouée, contactez-le où que vous soyez !

Urko Suaya

2007-03-26T08:14:00.000-07:00

Urko Suaya

Urko Suaya has built a reputation mainly as a photographer of fashion an advertising in latin America. His clients involve a long lis of international an Argentine brands and firms. Among tem, he has done several campaignsfor Dior, Telecom, Domecq, Coca-Cola, Revlon, Parmalat, Sanyo, Unilever, Camel, Trosman, Kenzo, Cat, Levis, Chocolate, Paruolo, Vitamina, Awada, Ripley, Churba and Nike. He also works for the larges international advertising agenciens.

Suaya spends as much time as he can ins home in the hipstter neighbourhood of Palermo in Buenos Aires with his wife and his dog. Nevertheless, his bags are always ready to leave for the next shoooting location, wherever in the world this may take him. He is represented in Barcelona by Gianfranco Meza, in Singapore by Serene Chiu, in Mexico by Joanna Schatz and in Argentina by Geraldine Castro, so chances are that he is often hired abroad. His work has been published in magazines like Elle, GQ, PEN, Woman, Superlab, Wipe and Loft, and in every quality fashion magazine in Argentina.

He has edited two books, "pocket" and "pocket2", that compile some of his backstage pictures,
laid back models getting ready for action, a glimpse of a trip, and other snapshots unavoidablefor an inborn Photographer's eye.

His personal work has been exhibited in Argentine Museums and Showrooms such as Palais de Glace, Centro Cultural Recoleta, CAYC, ICI, Fundación PROA and Hipodromo Argentino de Palermo, among others.

Paul Signac

2007-03-23T08:27:00.000-07:00

Paul Signac

Información de la Wikipedia

Paul Signac (November 11, 1863 - August 15, 1935) was a French neo-impressionist painter who, working with Georges Seurat, helped develop the pointillist style.
Paul Victor Jules Signac was born in Paris on November 11, 1863 into the family of a well-to-do master harness-maker.
He started his career in architecture, but abandoned this at the age of 18 to pursue a career as a painter. He sailed around the coasts of Europe, painting the landscapes he encountered. He also painted scenes of cities in France in his later years.
In 1884 he met Monet and Georges Seurat. He was struck by the systematic working methods of Seurat and by his theory of colors and became Seurat's faithful supporter. Under his influence he abandoned the short brushstrokes of impressionism to experiment with scientifically juxtaposed small dots of pure color, intended to combine and blend not on the canvas but in the viewer's eye, the defining feature of pointillism.
Many of Signac's paintings are of the French coast. He left the capital each summer, to stay in the south of France in the village of Collioure or at St. Tropez, where he bought a house and invited his friends. In March 1889, he visited Vincent van Gogh at Arles. The next year he made a short trip to Italy, seeing Genoa, Florence, and Naples.
Signac loved sailing and began to travel in 1892, sailing a small boat to almost all the ports of France, to Holland, and around the Mediterranean as far as Constantinople, basing his boat at St. Tropez, which he "discovered". From his various ports of call, Signac brought back vibrant, colorful watercolors, sketched rapidly from nature. From these sketches, he painted large studio canvases that are carefully worked out in small, mosaic-like squares of color, quite different from the tiny, variegated dots previously used by Seurat.
Signac himself experimented with various media. As well as oil paintings and watercolors he made etchings, lithographs, and many pen-and-ink sketches composed of small, laborious dots. The neo-impressionists influenced the next generation: Signac inspired Henri Matisse and André Derain in particular, thus playing a decisive role in the evolution of Fauvism.
As president of the Société des Artistes Indépendants from 1908 until his death, Signac encouraged younger artists (he was the first to buy a painting by Matisse) by exhibiting the controversial works of the Fauves and the Cubists.
Some his well known paintings are: The Pine, Saint Tropez and Port St. Tropez

Ramon Martins

2007-03-21T07:57:00.000-07:00

Ramon Martins

Ramon Martins, uno de los uno de los nuevos representantes del expresivo graffiti mineiro.

Arte ou graffiti? Rua ou galeria? Real ou virtual?A obra de Ramon Martins requer um sentido radical de desenraizamento. Pois não se define a partir dos critérios, categorizações e definições rigorosas, mas existe e é possível a partir da sua articulação de vários domínios da arte, da experiência da rua e da expressão artística. Sua proposta reflete à questões que os artistas contemporâneos tem se deparado com freqüência, como a efemeridade e a desmaterialização da obra de arte”.
Maria Luiza Viana

Zhong Biao

2007-03-19T09:03:00.000-07:00

Zhong Biao

Información de la Galeríe Albert Benamou

Zhong Biao is one of the most unusual and modern figures among the Chinese contemporary artists working today.

Born in 1968 in Chongqing, he studied art at the fine arts academy in Hangzhou, then became a professor at the Sichuan academy of fine arts. At just 35, this artist has already established an internationally recognized career, showing his work not only in China but also in museums and art galleries around the world, from London, Brussels, and Amsterdam to Singapore, Tokyo, Seoul, and Bangkok.

His work, extremely avant-garde, questions notions of time in China today, and focuses on the country’s rapidly advancing transformation, whether economic, architectural, esthetic, or emotional--rapid changes that intrigue, excite, and stimulate most contemporary Chinese artists. Zhong Biao’s works address the resulting blend of Asian and Western cultures, and the adjustment this metamorphosis forces upon the young generation.

His paintings utilize the flawless pictorial techniques of the classical beaux-arts academies with great virtuosity, so that they border on Hyperrealism. His canvases present figurative, narrative scenes, where the protagonists, like beings from another planet, are propelled into a world in utter transformation.

Anton Volkov

2007-03-16T08:42:00.000-07:00

Anton Volkov

Su biografía dice que nació en 1978, se graduó en el 2000 en la Universidad de Automecánica, aunque su verdadera pasión debía estar en el mundo de la fotografía; interés que desarrollaría en el proyecto web que comenzó a gestar en el 2001. En el año 2004 Anton D. Volkov ya se había convertido en fotógrafo profesional y estas fotografías son una pequeña muestra de su trabajo.

Richard Ansdell

2007-03-14T09:22:00.000-07:00

Richard Ansdell

Información de la Wikipedia

Richard Ansdell (1815-1885), English painter, was born in Liverpool, and first exhibited at the Royal Academy in 1840. He was a painter of genre, chiefly animal and sporting pictures, and he became very popular, being elected A.R.A. in 1861 and R.A. in 1870. His "Stag at Bay" (1846), The Combat (1847), and Battle of the Standard (1848), represent his best work, in which he showed himself a notable follower of Edwin Landseer.

Pavel Kryukov

2007-03-12T08:54:00.000-07:00

Pavel Kryukov

Pocos datos hay del fotógrafo en la red, aparte de que es un autor ruso que trabaja desde Moscú y atiende en la red también al sobrenombre de "spam".

Me gustó mucho la minimalista nota biográfica que hay en photo.net:

Biography
I photograph

Milo Manara

2007-03-09T09:09:00.000-08:00

Milo Manara

Información de la Wikipedia

Milo Manara es el pseudónimo del historietista italiano Maurillo Manara, nacido en la localidad italiana de Luson (provincia de Bolzano) el 12 de septiembre de 1945.

Su vocación inicial fue la de pintor. Tras intentar vivir de la pintura sin éxito, fue asistente del escultor español Miguel Ortíz Berrocal.
Durante sus estudios de arquitectura en la Universidad de Venecia, en 1968 lanza su primer cómic, Genius, una combinación de género negro y erotismo publicada en formato de bolsillo. En 1972 dibuja la serie Jolanda de Almaviva, con guión de Francesco Rubino, y paralelamente realiza carteles y otros trabajos gráficos para agrupaciones políticas. Fruto de su concienciación social en esa época son sus diversos cómics con fuerte mensaje político, como Alessio il Borghese, Telerompo y Strategia della Tensione (para el partido socialista italiano), todos con guión de Sileverio Pisù. Con el mismo guionista realiza en 1976 El Rey Mono, adaptación de una leyenda folclórica china, aparecida en la revista Alter. Para el semanario juvenil Corriere dei Ragazzi ilustra La parola alla giuria (guión de Mino Milani) y para el editor francés Larousse elabora varios episodios de sus colecciones L´histoire en bandes dessinées y La découverte du monde. Participa en la colección Un hombre, una aventura con el álbum El monje del Tíbet (guión de Alfredo Castelli).
En 1979 aparece en la revista À Suivre su primera obra como único autor, H.P., primera entrega de Las aventuras de Giuseppe Bergman, en la que rinde homenaje a Hugo Pratt. Con este último como guionista tendría ocasión de colaborar en 1983 con "Verano Indio" y nuevamente tiempo después con El gaucho. Además de hacer vivir a Giuseppe Bergman nuevas hazañas en los álbumes Tal vez soñar, Aventuras africanas y Camino oculto, 1983 presencia asimismo el debut de su obra más célebre, Clic, que lo encumbrará como uno de los grandes autores de cómic erótico y conocerá hasta cuatro partes, además de ser llevado al teatro y al cine de imagen real. Dentro del mismo género, Manara lanza sucesivamente El perfume del invisible —del que existe una secuela, Desnuda por la ciudad, y una adaptación animada—, Cámara indiscreta, Gulliveriana, Kamasutra, La metamorfosis de Lucio, El arte del azote, Cita fatal y WWW. En una línea más satírica, Revolución (2000) es una crítica a los poderes de las cadenas televisivas. Recientemente ha vuelto al erotismo, combinándolo con la ciencia ficción, en Piranesi: el planeta prisión.
Manara ha colaborado también con Federico Fellini, para el que realizó carteles de algunas de sus películas y la versión en historieta de dos guiones suyos que no llegó a llevar al cine, Viaje a Tulum y El viaje de G. Mastorna. Para el también cineasta Pedro Almodóvar ilustra su novela Fuego en las entrañas. En tiempos recientes se ha consagrado preferentemente a la ilustración y la publicidad, además de realizar cómics para soporte digital y de diseñar los personajes para el largometraje de animación francés La légende de Parva.

Nicolás Poussin

2007-03-07T08:34:00.000-08:00

Nicolás Poussin

Información de RedEscolar

Nicolas Poussin (1594-1665). Pintor francés, fundador y máximo representante de la pintura clasicista francesa del siglo XVII. La lógica, el orden y la claridad fueron virtudes esenciales en su trabajo que influyó notablemente en el arte posterior. Poussin nació cerca de Les Andelys, Normandía, en junio de 1594, en el seno de una familia campesina. Estudió pintura en París y quizá también en Ruán. En 1624 viajó a Roma, donde permaneció el resto de su vida, salvo una estancia de 18 meses en París entre 1640 y 1642. Sus primeras obras romanas reflejan las abigarradas composiciones y las animadas superficies que caracterizaron el manierismo de mediados del siglo XVI. Alrededor de 1630 su estilo empezó a cambiar, alejándose de la exuberancia del barroco para dedicarse por entero a su pasión por la antigüedad, enfocando su pintura sobre todo hacia asuntos bíblicos y mitológicos. En un primer momento, sus cuadros, como La peste de Azoth tienen brillantez cromática, pero después de 1633 Poussin derivó hacia tonalidades más sobrias y frías. Sus composiciones se hicieron entonces más serenas y sus figuras más esculturales, a la vez que intentó representar la emoción mediante gestos, posturas y expresiones faciales fácilmente reconocibles, como sucede en el cuadro Adoración del becerro de oro. Poussin viajó a París en 1640 con cierta indiferencia, si bien gracias a este viaje logró el mecenazgo de adinerados coleccionistas burgueses así como la consolidación de sus relaciones con la Real Academia Francesa, que tiempo después magnificaría su estilo elevándolo a la categoría de doctrina formal. Durante sus últimos años, de 1653 a 1665, el estilo de Poussin se desarrolló y cambió. Minimizó las expresiones y acciones de los rostros y los cuerpos pero mantuvo su intensidad emocional. La alegoría, el misticismo y el simbolismo representaron un papel aún mayor que el que tenían antes; sus escenas fueron más vitales e intensas. Cuadros como Los pastores de la Arcadia en el que logró una simplificación monumental y una calma casi sobrenatural, van más allá de meras ilustraciones de acontecimientos históricos para convertirse en símbolos de verdades eternas. Donde mejor se manifiesta su técnica es en sus paisajes, como El triunfo de David y Paisaje con edificio.

Richard Williams

2007-03-05T11:46:00.000-08:00

Richard Williams

Información de Erographic

Richard is an internationally known Fine Art photographer with clients from Seattle to Hong Kong (the long way round!). Born in Wales in 1960, Richard is the third generation of professional photographers. After following a conventional photography career, in 1990 he started Diva Photography to counter the commercialisation of the female nude image - and as a break from the relentless boredom of commercial photography. "For me the nude is more than just a series of curves, the nude has to be seen in a setting that sets a context for the image. This can range from an erotic image in a bedroom to a natural image in a wood, or an abstract studio shot".

Richard's work is published internationally in print and on the web. You can see his recent images in "Cosmopolitan", "Marie Claire", "Elle", "Photo" (France) and "Elegance" (US) - but he rarely uses his real name - there are simply too many people called Richard Williams in the visual arts. He is retained by Kestrel and Charter P agencies and has been a chosen photographer for "The Ooh" (May 2006) and "My Erotic Eye" (August 2006). Image gallery in the "Nerve" (September 2006). He is a contributor to "Erotique" and "Erotique 2" and to most of the major art nude web sites (Femjoy, Eros-Zine. Michelle 7, ibodi.......) Too many book covers/album covers to mention.

His book of fine art nudes "Diva" was published in 1992. In 2006 he started work on his second book of fine art prints and making a series of short black & white erotic movies.

Richard now divides his time between interesting commercial projects and individual commissions.

Nikola Tamindzic

2007-03-02T05:30:00.000-08:00

Nikola Tamindzic

Nikola Tamindzic, is a nightlife photographer for BlackBook magazine. Ambrel is Nikola Tamindzic's photography, web, and interactive design portfolio. Ambrel is a full digital and photographic service that specializes in fashion, events and celebrity portraits for national and international publications. Ambrel and Nikola Tamindzic are based in NYC, New York 10009.

Thomas Buchta

2007-02-28T07:17:00.000-08:00

Thomas Buchta

Thomas Buchta es un fotógrafo alemán en cuyo portafolio se pueden encontrar galerías de desnudos, fetichistas, góticas o con fotos de sexy glamour, incluso artísticas fotografías que se acercan al género gore.

Ilan Hamra

2007-02-26T07:22:00.000-08:00

Ilan Hamra

Fotógrafo alemán que tiene su estudio en la ciudad de Hamburgo. No hay muchos datos en la red sobre él, pero sus cuidadas fotografías hablan por si sólas. Llama especialmente la atención la delicadeza en las composición de la búsqueda de los colores.

Alejandro Colucci

2007-02-23T07:51:00.000-08:00

Alejandro Colucci

Información de Locos.com Gracia!

Alejandro Colucci nació en Montevideo en Mayo de 1966. Estudió dibujo y pintura con el maestro Alvaro Fontana. En 1994, luego de visitar Marvel, DC e Image, comienza a ilustrar temas fantásticos y relativos al comic en técnicas como óleo, témpera, tinta. Desde 1996 trabaja para medios de prensa como ilustrador de temas culturales. También trabaja en publicidad como ilustrador y diseñador gráfico. Hasta el momento ha participado en distintas exposiciones en Montevideo, interior del país y Buenos Aires. Sus trabajos pueden verse en páginas web como Hellboy Official Website, Marvel Comics.com y Porkussucks Magazine.

Próximamente serán expuestos en el sitio Red Gótica de México y en un número especial de la revista Star Magazine que se edita en New York. Las ilustraciones realizadas para el mercado publicitario y editorial promocionan diversos productos y empresas nacionales, y han aparecido en revistas como Balazo, El Angel Negro, Voodoo y CD-Rom interactivo La Zona; también han sido motivo de portadas de cuadernos. Sus trabajos han sido difundidos desde programas de TV como Estilo (canal 10), Black Tie (TV Brasilia), Notables (Canal 4 - Daniel Branáa), Un día en la Vida (Canal 5) e integran la exposición permanente del Museo del Humor y la Historieta del Uruguay.

Próximamente, Colucci se desempeñará como profesor de dibujo y pintura.Vive en Montevideo con su esposa Daniela y sus hijos Romina y Bruno.

Frida Kahlo

2007-02-21T10:31:00.000-08:00

Frida Kahlo

Información de Mexico.udg

Frida Kahlo (1907-1954). Nació y murió en Coyoacán, Distrito Federal. Su verdadero nombre era Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón.
Estudió en el Colegio Alemán y en la Escuela Nacional Preparatoria de la Ciudad de México. En 1925 experimentó un trágico accidente al ser prensado por un tranvía urbano el autobús de madera en el que viajaba.
Empezó a pintar durante una larga convalecencia copiando su rostro de un espejo montado en el dosel de la cama. Primero fue realista -retratos de amigos y familiares, flores-; después, a causa de la intensidad de sus sentimientos y de un cuerpo destrozado, pintó más y más su propia imagen combinada con expresiones oníricas a veces brutales. Parte de su obra incluso se ha asociado a tendencias surrealistas.
En 1929 contrajo nupcias con Diego Rivera de quien se divorció en 1940 para volverse a casar con él un año después. Fue maestra de pintura en la Escuela de Artes Plásticas, y miembro del seminario de Cultura Mexicana. En 1938 montó su primera exposición individual en la Julien Levy Gallery de Nueva York.
Trabajos de ella fueron incluidos en la Exposición "Mexique" de 1939, en la Galería Renou et Colle de París, así como en diversas colectivas a lo largo de su vida en México. Participó en la Exposición Internacional del Surrealismo organizada en 1940 en la Galería de Arte Moderno en la capital de México.
Instituciones de la importancia del Museo de Arte Moderno de Nueva York y Georges Pompidou de París alojan obra de Frida.

Enric Aromi

2007-02-19T07:46:00.000-08:00

Enric Aromi

Información de Saatchi-Gallery

Painter, Sculptor, Photographer, Architect, Lawyer, Chemist and Writer.Exhibits in Barcelona, Paris, New York, Viena, Seattle, Chicago, Miami.Two books like photographer and one book like Painter. Now he lives in his 1000 sq. meters Own designed building made like Studio and residence closer to Barcelona.

Born in 1955 in Barcelona.Thanks to his CI upper than 130, Starts to draw and Paint at 7 Years Old and working like fashion photographer at 14 Years Old, his first exhibition in a Gallery like painter was at 16 Years Old in Barcelona and Sold out.

Now after 30 investigation and Study Years in 2000's he discover a new technique for mix the photo chemical gelatine from any photo prints with any painting media, and Starts to use it for faight against the injustice in the Wordl with sbliminal messages inside his Art works.

Working with a new bokk will be ready in 2010 and the next shows wil be:

April 2017 Boca Raton Miami

November 2007 Shanghai

February 2008 Abu-Dabhi

March 2008 - Barcelona

Laurie Lipton

2007-02-16T10:58:00.000-08:00

Laurie Lipton

Laurie Lipton was born in New York. She was the first person to graduate from Carnegie-Mellon University in Pennsylvania with a Fine Arts Degree in Drawing (with honours). She has lived in Holland, Belgium, Germany and France and has made her home in London since 1986.

Lipton's drawings have been described as "cover[ing] social commentary, human observation and the absolute bizarre." Her work, distilled from her Freudian nightmares and oft-tortured world, lies within a "realm of experience amongst which we live, but few inhabit."

During a 2003 interview, Lipton expressed interest in challenging her perceptions of reality, using myth and symbolism to express the human condition. Her psychologically provocative imagery, its thematic continuum of fear, is a response to life as the perfect child - pretty, intelligent, well-behaved, very loving to her parents. She said, "I didn´t know what to do with the sizzling mass of negative feelings that infiltrated into my perfect being. I wasn´t encouraged to act out my fear or anger." She found a way to cope with the dark side of her soul through art, "I used to sit alone and draw for hours as a child. My parents were very proud of my talent and would display my work whenever company came to the house. People would look at me (a pretty, sweet little girl), then look at my drawings (monsters, screaming devils, mayhem and blood), and edge slowly away. My mother was asked how she felt about my "horrible, angry imagery". She merely shrugged her shoulders and said, "Better out than in".

Dave Archambault

2007-02-14T07:59:00.000-08:00

Dave Archambault

Dave Archambault has, since 1990, been producing painstakingly detailed portraits from photographs using the most unlikely of tools, the common ballpoint pen.

Reka Nyari

2007-02-12T11:03:00.000-08:00

Reka Nyari

The half-Finnish, half-Hungarian photographer Reka Nyari was born in Helsinki in 1979. Her love for the Fine Arts drew her to the School of Visual Arts in NYC, where she majored in Painting, creating large, hyper realistic oil paintings. After graduating, she travelled a few years across Europe and Asia, and then found herself back in New York making her living in the Nightlife Industry.

Her interest in Photography started at this time. In the early hours of the morning after getting off work, finding herself in need of an outlet to express her creativity, she started a black and white series called “The Late Night Sessions”. Using a little point-and-shoot camera, she documented herself, night after night in an attempt to capture her changing moods and emotions throughout the year. The photographs were initially meant to be private, a diary in images, but after a year she realized she had found her new passion and profession.

René Asmussen

2007-02-09T11:23:00.000-08:00

René Asmussen

Información de Pixiport

He lives in chilly Scandinavia, the homeland of the Vikings (Denmark) in a city called Esbjerg.
He has been an artist photographer for about four years now and loves to work in the darkroom, where most of his photographs become reality. René works with the idea that his photos should be a bit on the "original" side. He says, "It's hard 'cause there are a lot of great artist and photographers in the world, whom I think work with the same idea." René goes on to say, "My inspiration comes mostly from artists like: Giger, Rembrandt, Odd Nedrum, and all the great photographers out there".
He works mostly in the darkroom, but sometime feels the need for color. Then he gets busy hand coloring (water based colors). He also loves to use the computer for his images. As he says, "To give them color and perhaps some grain, corns or noise."
As you review René's excellent graphic renditions, you'll gain a better understanding of this very warm spot in Denmark.

He is danish Photographer, he experiment with all sorts of photography. For him there are no rules on how to make a picture, Its only the final result that counts not how you archieve it. He just follow my instinct and press the button when the "feel" is there.