Natasha Gudermane

Natasha Gudermane

Fotógrafa que vive y trabaja en París (Francia).

César Saldivar

César Saldivar

De nacionalidad mexicana, Licenciado en Ciencias de la Comunicación en el TEC de Monterrey (México). Cursa estudios preparatorios en Nueva York y Arte Contemporáneo en París.

Sus inquietudes culturales le llevan al ámbito de las artes plásticas, convirtiéndos en un reconocido promotor a nivel internacionales.

En 1998 desplaza su residencia a Madrid, afianza su carrera fotográfica enfocada a su gran pasión: la cinematografía, realizando importantes trabajos en el retrato del cine español.

Su obra es recogida en la Enciclopedia Summa Artis (vol. XLVII) sobre la Historia de la Fotografía en España. Así mismo forma parte del Diccionario Espasa Fotografía (2002).

Actualmente entre sus múltipels actividades, se encuentra la producción fotográfica en campaña de imagen de Actores, además de diversos trabajos para Productoras Cinematográficas y Compañias de Discos.

Marcus Lindner

Marcus Lindner

Fotógrafo alemánm; los únicos datos biográficos que he encontrado están en esta lengua:

Am 29.07.1966 erblickte ich in Wertheim das Licht der Welt, zehn Jahre später verschlug es meine Eltern und mich in das Werdenfelser Land.

Nachdem ich aus Beruflichen Gründen einige male in Deutschland umgezogen bin, wohne ich jetzt im Raum München und fühle mich hier sehr wohl.

Hauptberuflich arbeite ich in der Softwarebranche.
Als Ausgleich und um mich kreativ zu betätigen fotografiere ich leidenschaftlich gerne.

La fotografía: breve suma
Por Susan Sontag
Traducción de Aurelio Major

1. La fotografía es, antes que nada, una manera de mirar. No es la mirada misma.

2. Es la manera ineludiblemente "moderna" de mirar: predispuesta en favor de los proyectos de descubrimiento e innovación.

3. Esta manera de mirar, que tiene ya una dilatada historia, conforma lo que buscamos y estamos habituados a notar en las fotografías.

4. La manera de mirar moderna es ver fragmentos. Se tiene la impresión de que la realidad es en esencia ilimitada y el conocimiento no tiene fin. De ello se sigue que todos los límites, todas las ideas unificadoras han de ser engañosas, demagógicas; en el mejor de los casos, provisionales; casi siempre, y a la larga, falsas. Mirar la realidad a la luz de determinadas ideas unificadoras tiene la ventaja innegable de dar contorno y forma a nuestras vivencias. Pero también -así nos instruye la manera de mirar moderna- niega la diversidad y la complejidad infinitas de lo real. Por lo tanto reprime nuestra energía, nuestro derecho, en efecto, a refundar lo que deseamos refundar: nuestra sociedad o nosotros mismos. Lo que libera, se nos dice, es notar cada vez más cosas.

5. En una sociedad moderna las imágenes realizadas por las cámaras son la entrada principal a realidades de las que no tenemos vivencia directa. Y se espera que recibamos y registremos una cantidad ilimitada de imágenes acerca de lo que no vivimos directamente. La cámara define lo que permitimos que sea "real"; y sin cesar ensancha los límites de lo real. Se admira a los fotógrafos sobre todo si revelan verdades ocultas de sí mismos o conflictos sociales no cubiertos del todo en sociedades próximas y distantes de donde vive el espectador.

6. En la manera de conocer moderna, debe haber imágenes para que algo se convierta en "real". Las fotografías identifican acontecimientos. Las fotografías les confieren importancia a los acontecimientos y los vuelven memorables. Para que una guerra, una atrocidad, una epidemia o un denominado desastre natural sean tema de interés más amplio, han de llegar a la gente por medio de los diversos sistemas (de la televisión e internet a los periódicos y revistas) que difunden las imágenes fotográficas entre millones de personas.

7. En la manera de mirar moderna, la realidad es sobre todo apariencia, la cual resulta siempre cambiante. Una fotografía registra lo aparente. El registro de la fotografía es el registro del cambio, de la destrucción del pasado. Puesto que somos modernos (y si tenemos la costumbre de ver fotografías somos, por definición, modernos), sabemos que las identidades son construcciones. La única realidad irrefutable -y nuestro mejor indicio de identidad- es cómo aparece la gente.

8. Una fotografía es un fragmento: un vislumbre. Acopiamos vislumbres, fragmentos. Todos almacenamos mentalmente cientos de imágenes fotográficas, dispuestas para la recuperación instantánea. Todas las fotografías aspiran a la condición de ser memorables; es decir, inolvidables.

9. Según la perspectiva que nos define como modernos, hay un número infinito de detalles. Las fotografías son detalles. Por lo tanto, las fotografías se parecen a la vida. Ser moderno es vivir hechizado por la salvaje autonomía del detalle.

10. Conocer es, sobre todo, reconocer. El reconocimiento es la modalidad del conocimiento que ahora se identifica con el arte. Las fotografías de las crueldades e injusticias terribles que afligen a la mayoría de las personas en el mundo parecen decirnos -a nosotros, que somos privilegiados y estamos más o menos a salvo- que deberíamos sublevarnos, que deberíamos desear que algo se hiciera para evitar esos horrores. Hay, además, otras fotografías que parecen reclamar un tipo de atención distinto. Para este conjunto de obras en curso, la fotografía no es una suerte de agitación social o moral, cuya meta sea incitar a que sintamos algo y actuemos, sino una empresa de notación. Observamos, tomamos nota, reconocemos. Ésta es una manera más fría de mirar. La manera de mirar es lo que identificamos como arte.

11. La obra de los mejores fotógrafos comprometidos socialmente es a menudo condenada si se parece demasiado al arte. Y a la fotografía tenida por arte se le puede condenar de modo paralelo: marchita la emoción que nos llevaría a preocuparnos. Nos muestra acontecimientos y circunstancias que acaso deploremos y nos pide que mantengamos distancia. Nos puede mostrar algo en verdad horripilante y ser una prueba de lo que es capaz de tolerar nuestra mirada y que se supone que debemos aceptar. O a menudo simplemente nos invita -y esto es cierto en casi toda la fotografía contemporánea más brillante- a fijar la vista en la banalidad. Fijar la vista en la banalidad y también paladearla, recurriendo precisamente a los mismos hábitos de la ironía que se afirman mediante la surrealista yuxtaposición de consabidas fotografías en las exposiciones y libros más refinados.

12. La fotografía -insuperable modalidad del viaje, del turismo- es el principal medio moderno de ampliación del mundo. En cuanto rama del arte, la empresa fotográfica que hace más amplio el mundo tiende a especializarse en temas al parecer provocadores, transgresores. La fotografía puede estar diciéndonos: esto también existe. Y eso. Y aquello. (Y todo es "humano".) Pero ¿qué hemos de hacer con este conocimiento, si acaso es un conocimiento, digamos, del ser, de la anormalidad, de mundos marginados, clandestinos?

13. Llámese conocimiento, llámese reconocimiento; de algo podemos estar seguros acerca de esta modalidad, singularmente moderna, de toda vivencia: la mirada, y el acopio de los fragmentos de la mirada, nunca pueden completarse.

14. No hay fotografía definitiva.

© S. S. o Wylie Agency

David Nitsche

David Nitsche

Dave Nitsche first picked up a camera 20 years ago. That statement is a bit misleading because his first journey into photography only lasted 6 months. Having always been involved in the arts (guitarist, graphic designer, web developer) he had an outlet for his thoughts and emotions. Career changes and life put him in a place where he had never been before. The outlet that was always available was not present any more. So 18 years since he had sold his Canon A1 he decided to try photography again and bought his first digital camera. That was May 15th 2002.

Dave's goal from the beginning was to merge human emotion into non human environments using what ever 'stuff's' (mannequins, glass, guns, fire, etc.) necessary and in the process to be as original as possible. His images are steeped in expressionism but they cover so many catagories that it is hard to place them in just one. The pieces have been admired and praised by critics, photographers, artists and the public in general (through shows, publications and galleries) for their ability to conjure feelings in people that are very deep, very personal and usually reserved for living things.

The scope of Dave's work does not stop at conceptualism or expressionism. He is a fan of all types of imagery and is quite fond of moving from style to style. He has included all forms of images here for you to view. Enjoy his images and vision.

Adrian Johnson

Adrian Johnson

Ilustrador británico que utiliza un dibujo sencillo y algo retro, que parece devolvernos a la infancia.

Stephan Soell

Stephan Soell

Información de Michelle 7.

Stefan Söll is an art photographer from Friedrichshafen, which is located in southern Germany. His day job is that of manager and consultant at an advertising company specializing in new media product lines. Photography is his release, his art form. He is thus allowed to focus exclusively on his own private work. His studio is that of a large renovated old barracks building that stands behind his home and serves as his lab and indoor arena for photo-sessions arranged during the notorious winters of southern Germany.

Stefan started shooting when he was fifteen years old and quickly came to focus upon his two favorite genres, landscape and figure photography. He has also developed a keen interest in mythology and has integrated this into his landscape and nude work, creating a dreamy netherworld of fairy maidens. His models pose with the refinement of celestial nymphs next to streams, among wooded glades, surrounded by the enchanted forest of Stefan's magical homeland. Besides his amazing use of scenery and settings, much of it crafted by Stefan himself, the most remarkable quality to Stefan's work is his brilliant use of light. He's largely self-taught as a photographer but his lighting and composition skills are those of a seasoned and astute professional. More than that, there are the hallmarks of a true artist.

Evgeny Shaman

Evgeny Shaman

El único dato que me consta -y sin seguridad- es que se trata de un fotógrafo ruso que le gusta fotografíar la figura hermosa de la mujer.

Yves Tanguy

Yves Tanguy

Información de la Wikipedia

Raymond Georges Yves Tanguy, (5 de enero de 1900 – 15 de enero de 1955), fue un pintor surrealista. Nació en Paris y era hijo de un capitán del ejército retirado. Sus padres eran de origen bretón. A la muerte de su padre en 1908, su madre volvió a su pueblo natal Locronan, Finistère, y Tanguy convivió la mayor parte de su juventud con otros familiares.
En 1918, Yves Tanguy se embarcó en un navío mercante antes de unirse al ejército, donde se hizo amigo de Jacques Prévert. Al acabar el servicio militar en 1922, volvió a Paris, donde trabajó en diversos oficios. Por casualidad vio un cuadro de Giorgio de Chirico y quedó tan impresionado que decidió convertirse en pintor aunque no tenía la más mínima educación formal para dedicarse a ello.
Gracias a su amistad con Jacques Prévert, Tanguy fue admitido en 1924 en el círculo de surrealistas de André Breton. Tanguy desarrolló con rapidez su propio estilo de pintura, exhibiendo sus obras por primera vez en 1927 en Paris. Ese mismo año se casó por primera vez.
A lo largo de los años treinta, Tanguy llevó una vida bohemia que acabó rompiendo su matrimonio. En 1938 comenzó una relación con la pintora Kay Sage. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Sage volvió a su ciudad natal, Nueva York, y Tanguy, al que se consideró no apto para el servicio militar, la siguió. Pasó el resto de su vida en los EEUU. Sage y Tanguy se casaron en Reno, Nevada el 17 de agosto de 1940.
Cuando la guerra iba a acabar, la pareja se trasladó a Woodbury, Connecticut y transformaron una antigua granja en un estudio para artistas. Vivirían allí el resto de sus días. En 1948 Tanguy se convirtió en ciudadano norteamericano.
En enero de 1955, Tanguy tuvo un infarto y murió. Su cuerpo fue incinerado y, a la muerte de Sage, sus cenizas fueron esparcidas juntas por su amigo Pierre Matisse en la playa de Douarnenez en su querida Bretaña.
En la obra de Tanguy abundan los paisajes de ensueño poblados por formas embrionarias. Algunas de sus obras son !Mamá, Papá está herido! (1927), El sol en su arca (1937), Palacio con las rocas de ventana (1942), Todavía y siempre (1942), La multiplicación de los arcos (1954) y Los números imaginarios" (1954).

John Singer Sargent

John Singer Sargent

Información de Más de Arte

John Singer Sargent (Florencia, 1856 – Londres, 1925). Pintor y dibujante norteamericano. Nacido en Florencia de padres expatriados norteamericanos, viaja por todo el mundo a lo largo de su vida. Se forma con Carolus Duran en Francia, donde recibe la influencia del impresionismo. No obstante, siempre están en su punto de mira maestros del pasado como Velázquez, Goya o Frans Hals. Sus deseos de establecerse como retratista en París se ven truncados por el escándalo que provoca su retrato de Virginie Gautreau –conocida como Madame X- en el Salón de 1884. En 1886 prueba suerte en Londres, donde en poco tiempo se convierte en el retratista más mimado de la alta sociedad británica y norteamericana. Cosmopolita y refinado, fue además un acendrado pianista y un ávido lector de los clásicos. Por su estudio desfila lo más granado de la sociedad de la época: aristócratas, magnates como Rockefeller o Vanderbilt, presidentes como Woodrow Wilson o Theodore Roosevelt, intelectuales como Robert Louis Stevenson o Henry James... También realiza pintura de paisaje y de género, es un prolífico acuarelista y acomete importantes proyectos de pintura pública. En 1999 la Tate Gallery de Londres le dedica una importante retrospectiva que itinera al Smithonian de Washington y al Museum of Fine Arts de Boston.

Rafael Ferrando Flores

Rafael Ferrando Flores

No tengo ningún dato sobre él, sólo su interés por captar cualquier rincón natural del mundo que emane belleza.

Akif Hakan Celebi

Akif Hakan Celebi

Información de Thieves Jargon.

Akif Hakan Celebi is a fashion, fine art and editorial photographer who has a unique style of his own. His unconventional use of colors are very brave and distinguishes his photographs from many others. He is not afraid to go outside the boundries of technicality in order to create the moods he searches for. He is also known to have the ability to bring out the best in his models. He is based in Miami, Florida , however he travels to Japan and Europe very often . He is a very passionate photographer who is constantly searching for new visuals within his style and this attribute reflects clearly in his works.

David Perry

David Perry

David Perry has been burning film since he was 10 years old. Born in Denver, Colorado, and raised in Southern California, he studied photography at Art Center College of Design. A professional photographer since 1986, Perry has had his work published, collected, and exhibited worldwide; current and past examples can be seen at www.davidperrystudio.com.

For as long as young men have been channeling, chopping, and hopping up rods and customs, women - whether loyal girlfriends or trouble-seeking "bad girls" - have been an integral part of the scene. In this unique portfolio evoking great 1950s pin-up artists like Vargas and Elvgren, talented photographer David Perry depicts models in and out of cherry-picked rods and customs wearing painstakingly chosen period dress and hairstyles. More than 100 photos present these modern-day pin-ups under three themes: Garage, Cruising, and Race. In addition, essays explore each topic and are also accompanied by pulp novel covers, period mags, and ads that place the photography in a historical context. Captions identify the car owners, photo location, and, where appropriate, interesting car specs and histories.

Drew Posada

Drew Posada

Información de The pin up files.

"I was born in 1969, as Andrew Posada, with my identical twin brother, Alex Posada. We were raised in a very poor household with our mother and half brother. Alex and I were extremely competitive with each other. We started competing at a very early age and one of the things that was a part of our competitions was drawing. Who could make the best drawing and get the recognition and attention? We didn't have money to buy sporting equipment and video games, etc. but we always had pencils and paper. If it weren't for these facts I don't believe that I would even be an artist.
I graduated high school in West Seattle in 1987 where I received my only art instruction from an art teacher named Phillip Bradshaw. He didn't teach me technique or art history, he taught me to see.
I became a professional freelance artist in 1985. After graduating high school I freelanced as an artist and worked as a picture framer. I became a very well known and highly regarded picture framer, but I did not want to spend the rest of my life framing pictures. I did gain a lot of experience working in galleries for 7 years. This is where I first saw Olivia's work and realized that you could make a very good living doing pin-up work. It became a dream of mine and a goal to someday work for Robert Bane. I first saw Sorayama's work in 1994 and found out that he too, like Olivia, was at Robert Bane's gallery. When I first saw Sorayama's work my jaw hit the floor, the benchmark just got raised way out of my sign, he became my enemy and my mentor, I envied him, he inspired me and discouraged me. In my mind I tried not to know that I would never be that good. I read where Sorayama said "you have to have that hunger" and I know I have that. I don't want to be "the next Sorayama" or even try to emulate him, I just want the same success, to do what I love to do, like he does. However, I won't deny that he is the biggest influence in my work. I've been working on my technique ever since I saw his work and I'll never stop. Sorayama has been a big insecurity in self-doubt that I try to overcome, it's an ongoing battle. Sorayama will always be the King to me.
In 1994 I was flown down from Seattle to San Diego to try out for a job as an illustrator at Image Comics. They hired me immediately and I worked for quite a few studios within Image; Top Cow, Wildstorm and Extreme. This is where I learned how to paint in Photoshop. It worked exactly like a real airbrush and was a lot easier to make changes to my pin-ups. I started showing submissions to the Tamara Bane Gallery in 1996, but I still needed to raise the calibre on my work. I kept trying until I finally thought I had it down, and the rest is history."